22 MARCH 2024 - 11 MAY 2024

GAMECHANGER

22 MARCH 2024 - 11 MAY 2024

파운드리 서울은 2024년 3월 22일부터 5월 11일까지 덴마크 코펜하겐 기반 작가 미에 올리세 키에르고르 (Mie Olise Kjærgaard)의 개인전 《GAMECHANGER》를 개최한다. 키에르고르는 생동감 넘치는 붓질과 역동적인 구도를 이용해 스포츠를 즐기고, 짐승에 올라타 거침없이 질주하는 등 활동적인 여성들의 모습을 묘사하여 여성의 주체성과 자유를 강조하며, 여러 명의 여성 인물들이 함께하는 모습을 통해 공동체의 순기능과 역할에 관해 이야기한다. 아시아 최초로 키에르고르의 작업을 소개하는 본 전시에서 작가는 균형과 연대 의식이라는 주제를 중심으로 18점의 신작을 소개한다.

키에르고르의 거대한 캔버스 속 여성들은 테니스 코트에서 자유롭게 네트를 넘나들고, 마치 기타를 연주하듯 라켓을 자유자재로 가지고 놀며 공을 힘껏 내리친다. 온몸을 이용해 스포츠를 즐기고, 배를 타고 항해하며, 아이를 들쳐 업고 짐승에 올라타 거침없이 나아가는 이들은 오랫동안 남성의 영역으로 여겨져 왔던 신체 활동들을 과감하게 전유한다. 1900년 제2회 파리 올림픽 때 테니스와 골프 종목에 여성 선수의 참가가 처음 허용됐고, 1975년 브뤼셀에서 열린 유럽 스포츠 담당 각료회의에서 ‘Sport for All’ 헌장이 채택되며 “모든 개인은 스포츠에 참가할 권리를 가진다”고 선언했지만, 그럼에도 불구하고 운동하는 여성의 공간은 협소하며 여성성에 대한 사회적 인식은 여전히 제한되어 있다. 하지만 이러한 현실을 가뿐하게 뒤집듯 키에르고르의 작업 속 여성들은 더욱 적극적으로 신체를 활용하여 모든 가능성을 시험하고, 새로운 규칙을 제시하며 과감하게 도전한다. 담담한 표정으로 팔다리를 쭉 뻗어 보이는 이들은 남의 시선을 의식하지 않고 자기 자신으로 존재하며, 누구보다 당당하다.

이번 전시 《GAMECHANGER》를 관통하는 중요한 주제는 균형이다. 작품 속 인물들은 테니스 네트 위에 한 손을 올린 상태로 아슬아슬하게 곡예 하는 자세를 취하는가 하면, 곧 부서질 것 같이 얇은 사다리에 한 손으로 매달려 있기도 한다. 기울어진 허들에 올라서기도 하고, 기울어진 돛에 거꾸로 매달려 있기도 한다. 작가는 거칠고 자유분방한 붓질로 작품 속 묘사된 상황이 마치 한순간에 무너질 것만 같은 극적인 장면을 묘사한다. 이때, 작품에 역동성과 긴장감을 부여하는 불균형한 구도는 단순히 작품의 분위기를 연출하는 도구로 사용되는 것이 아니라, 굳건하고 뿌리 깊게 여성을 억압해 온 사회적 구조를 흩뜨려 놓고자 하는 작가의 의도를 담고 있다. 더 나아가 독특한 시각 언어로 남성 중심적이었던 구상 회화의 전통에 맞서고, 여성의 역할을 제한하는 사회적 인식을 유쾌하게 전복시킨다. 작가는 인물들이 완전히 균형을 잃기 전까지 아슬아슬한 상황으로 몰아붙이지만, 작품 속 여성들은 그들이 놓인 상황을 주도적으로 장악하고, 온전히 즐기며, 스스로 본인의 신체와 정신을 완전히 소유하고 통제하는 힘을 갖고 있음을 당당히 드러낸다.

이번 전시를 아우르는 또 다른 주요 주제는 여성들의 연대 의식이다. 작가는 자신이기도, 모든 여성이기도 한 상상 속 여성을 회화에 담는다. 과감한 동작과 대비되는 무표정한 얼굴의 여성은 사회적으로 규정된 틀과 역할에서 벗어나 타고난 모습 그대로, 자신의 욕망을 거침없이 드러낸다. 이들은 개개인의 표정과 이목구비는 조금씩 다르지만 기본적으로 같은 색의 옷을 입고 있으며 통일된 헤어스타일을 하고 있다. 비슷한 모습을 하고 있는 인물들은 한 공간에 단지 같이 존재하는 것을 넘어서 함께 배구를 하고, 테니스를 치며, 서로 신체를 맞대고 요가 동작을 취하고, 네트 위에서 마주보고 앉아 중심을 잡는 등 적극적으로 신체 활동을 함께 한다. 작가는 하나의 집단에 속한 듯 보이는 여성들을 묘사하며 사회적 시선과 전통에 맞서 힘을 단련하고 서로 도우며 함께 해방감을 만끽하는 여성들의 공동체적 유대감과 연대감을 드러낸다. 또한 작가는 테니스 코트, 바닷가 등 작품의 배경을 관객이 추정할 수 있게 하지만, 동시에 구체적으로 어느 국가, 도시, 혹은 문화권인지 자세히 특정하지는 않는다. 또한, 인물들의 피부색은 연한 갈색으로 묘사함으로써 마치 모든 인종이 섞인 듯한 여성의 모습을 제시한다. 이를 통해 작가는 작품 속 인물은 누구나 될 수 있으며, 모두가 되어야 한다는 의도를 선언하고자 한다.

가로가 6m에 달하는 세 폭의 대형 회화부터 소품까지 다양한 형태와 규모의 신작을 포함하는 이번 전시에서 작가는 여성 인물들의 경쾌하고도 거침없는 움직임을 통해 능동적이고 주체적인 새로운 여성상을 소개한다. 전시작 속 인물들을 따라 힘껏 팔다리를 뻗어가며 자유로운 몸짓과 마음으로 함께 움직여 보기를 제안한다.

FOUNDRY SEOUL presents GAMECHANGER, a solo exhibition by Mie Olise Kjærgaard, an artist based in Copenhagen, Denmark, from March 22 to May 11, 2024. With vibrant brushstrokes and dynamic compositions, Kjærgaard depicts women actively playing sports and riding and galloping on the backs of animals, emphasizing women’s agency and freedom. Also, the presence of multiple women figures engaged together speaks to the essential functions and roles of a community. The exhibition brings together Kjærgaard’s work for the first time in Asia, presenting 18 new works centered on the themes of balance and solidarity.

Women in Kjærgaard’s vast canvases roam freely across the net on a tennis court, playing with their rackets as if they were playing guitars, and forcefully smashing the ball with their arms. Using their entire bodies to play sports, sail boats, and ride on the backs of animals while carrying children, women are boldly reclaiming physical activities that have long been considered the domain of men. At the second Paris Olympics in 1900, women were first allowed to compete in tennis and golf, and in 1975, the European Sports Charter of the Council of Europe held in Brussels declared that “every individual has the right to take part in sport” when the ‘Sports for All Charter’ was launched. Nevertheless, the space for women in sports is still limited, and social perceptions of femininity remain constrained. However, as if to gracefully subvert such a situation, the women in Kjærgaard’s works use their bodies more aggressively examining all possibilities, daring to challenge the status quo, and presenting the new rules. Stretching out their arms and legs with nonchalant expressions, they stand as themselves, unconcerned about the eyes of others.

Balance is one of the essential themes addressed in this exhibition, GAMECHANGER. The figures in the works peacefully perform acrobatic poses with one hand on top of a tennis net or dangle one-handed from a thin ladder that appears to break at any moment. They often stand on a tilted hurdle or hang upside down from a slanted sail. Using raw and unrestrained brushstrokes, the artist depicts dramatic scenes in which the depicted circumstances seem to collapse at any moment. The disproportionate composition, which gives the work dynamism and tension, is not merely used as a tool to set the atmosphere of the work. Instead, it is part of the artist’s intention to dismantle the entrenched social structures that have oppressed women. Furthermore, the artist’s unique visual language boldly challenges the tradition of male-dominated figurative painting and playfully subverts social perceptions that have limited women’s roles in society. The artist pushes her subjects into situations where they are almost completely off balance. Yet, the women in her works boldly demonstrate that they have the power to take control of the situations they are in, to enjoy them fully, and to own and control their bodies and minds to the full extent.

The other thematic thread that binds the exhibition is women’s solidarity. The artist captures the woman within her imagination, who is both herself and every woman, in her paintings. With nonchalant looks in contrast to their bold movements, the women break free from socially prescribed frames and roles to be who they are and express their desires without reservations. While they have slightly different facial features and expressions, they are essentially dressed in the same colors and have uniform hairstyles. They not only look like each other and occupy the same space, but they actively engage in physical activities together, playing volleyball and tennis, standing in yoga poses while leaning against each other’s bodies, and balancing themselves while sitting face-to-face over the net. By portraying women who seem to belong to a singular group or community, the artist describes the communal bonds and solidarity of women who empower themselves against societal gazes and traditions, supporting each other and enjoying a sense of emancipation together. The artist allows the viewer to speculate on the backgrounds of the artworks, whether it is a tennis court or a beach, without pinpointing a particular country, city, or cultural context. At the same time, the artist portrays the skin tones of the figures as a light brown, presenting them as women of all races. Through this, the artist declares the intention that the individuals within the work can be anyone and should be everyone.

Through the playful, uninhibited movement of women in her paintings, the artist introduces a new portrait of active and assertive women, presenting them through the new works in diverse scales. The works, ranging from a large triptych measuring six meters across to smaller pieces, invite viewers to follow the figures in the works on display, moving freely with their bodies and minds, stretching their arms and legs to the fullest.

artist

Mie Olise Kjærgaard

publication

installation view

text

트리플 악셀 Triple Axel

애쉬튼 쿠퍼 Ashton Cooper

해머뮤지엄 펠로우 Luce Curatorial Fellow, Hammer Museum

1991년 2월 16일, 토냐 하딩은 전미 피겨스케이팅 선수권 대회가 열리는 미네소타주 미니애폴리스의 타겟 센터에서 빙판 위에 발을 내디뎠다. 바로 그 날, 하딩은 공중에 떠서 세 바퀴 반을 돌아야 하는 고난이도 점프인 트리플 악셀을 시도할 계획이었다. 미국에서 열린 선수권 대회에서 여성은 단 한 번도 시도한 적 없는 기술이었다. 노동자 계급 출신으로 동료들에 비해 사내처럼 거칠고 세련되지 않았던 하딩은 심사위원들이 자신의 계급에 대해 편견을 품은 탓에 최고 점수를 받지 못하는 때가 많다고 생각했다. 하딩은 아무도 시도하지 않던 기술인 트리플 악셀을 성공한다면 금메달을 목에 걸 수 있을 거라 확신했다. 퍼포먼스 음악이 시작되기에 앞서, 하딩은 허리 부분에는 하늘거리는 천이 달려있고 목 부분은 V자로 파인 부드러운 청록색 레오타드를 입고서 아이스링크 한가운데로 들어섰다. 그는 루틴을 시작한 지 40초 만에 다리를 정확히 90도로 굽히고 두 팔을 모은 채 공중으로 날아오르며, 위험을 무릅쓰고 찰나의 순간에 보여줄 수 있는 모든 격렬한 움직임을 성공시키며 누구도 상상하지 못했던 것을 이뤄냈다. 그 날, 하딩은 경기에서 1위를 차지했다.

하딩은 사회에서 존중 받지 못하며 가장자리를 맴돌던 여성으로, 탁월한 운동 능력을 보여주어야만 비로소 제도의 인정을 받을 수 있었다. 마치 칼날처럼 날서고 반항적인 그녀의 모습은 강건한 결단력을 보여주는 이미지로 남아 있다. 그리고 빙판에 선 하딩이 그랬던 것처럼, 미에 올리세 키에르고르가 최근에 그린 회화 작품에 등장하는 거칠게 뻗은 머리에 날렵한 몸매를 한 아마존 여성들은 여성의 운동 능력이 사회적 통념에 반격을 가할 수 있음을 보여준다. 키에르고르의 작품에서 인물들은 다양한 장면을 배경으로 우리 앞에 선 자유분방한 퍼포머들이다. 이들은 박스 형태의 무대 미장센의 일부가 되어 무리 짓거나 팀을 이루며, 역기를 들거나 배구공을 스파이크로 치고, 장애물을 넘고, 테니스 코트에서 공을 치는 등 여러가지 신체 활동에 적극적으로 참여한다. 이들을 둘러싼 주변의 분위기와 배경은 보석 같은 산뜻한 분홍색과 숲을 연상케 하는 녹색, 청록색으로 이루어져 있다. 한편, 팔다리가 길고 마른 체형에 짙은 갈색으로 그을린 여성들은 비키니와 하얀 테니스복, 스포츠 브라를 입은 모습이다. 여성스러운 의상을 입고 강인한 모습을 보여준 토냐 하딩처럼, 그들이 입은 여성성이 느껴지는 의상과 옷 아래 있는 근육에서 돌출한 선, 거침없는 몸짓 사이에는 묘한 긴장감이 흐른다. 그 결과, 혼란이 뒤따른다.

<Four in a Row>(2023)에서 거의 같은 모습을 한 네 명의 인물의 몸은 긴 직사각형의 캔버스 안에서 마름모 꼴의 꼭짓점 형상을 하고 있다. 각각의 몸은 흑백의 줄이 교차하는 허들을 훌쩍 뛰어넘으려 도약하는 중이다. 다리는 직각으로 굽어져 활짝 벌어져 있고, 기하학적으로 딱 맞아 떨어지는 각진 손발의 형태는 머리부터 길게 뻗어 나와 사방으로 흩날리는 갈색 머리카락에서도 찾아볼 수 있다. 눈썹 역시 삐죽삐죽한 선을 그은 듯한 모습이며, 각각의 인물 아래에 있는 검은 그림자도 작품의 위쪽 모서리에서 보이는 격자무늬 펜스와 마찬가지로 날카로운 윤곽을 부각한다. 그런가 하면, 크고 대담한 필치로 선을 긋고 물감을 아낌없이 써서 표현한 강렬한 분홍색 육상 경기장은 작품의 구도에 스타카토와 같이 톡톡 튀는 에너지를 더한다. 마치 칼날처럼 날카롭게 도약하는 주자들이 우위를 점하고 있다는 것과 그들이 가느다란 장애물의 반대편에 무사히 착지하리라는 것에는 의심의 여지가 없다.

또 다른 대형 회화 작품 <Muscle Beach Ready Action>(2023)에도 같은 인물들이 등장하는데, 이번에는 야자수가 늘어선 모래사장의 체력 단련장에 모여서 역기를 들고 근육을 뽐내고 있다. 바닷가라는 설정은 작가가 최근 캘리포니아의 베니스 비치에 머물렀던 경험에서 영감을 받았다. 베니스 비치에서는 보디빌더들이 해변에 모여 근육을 단련하고 키우곤 한다. 작품의 전경에 서서 포즈를 취하는 두 인물은 팔뚝을 둥글게 말거나 허벅지 뒤쪽 근육에 힘을 주며 관람객을 향해 전형적인 보디빌더 포즈를 보여준다. 직사각형의 체력 단련장은 연극 무대 같은 느낌을 자아내며, 그 장면을 보는 우리는 제4의 벽 뒤에서 서서 간결하게 그려진 그들의 눈썹과 움켜 말아쥔 주먹에 압도된다. 쨍한 햇살이 비치고 노란 빛이 감도는 이 장면은 삐쭉하게 솟은 모습으로 그들을 둘러싼 야자수의 그림자와 여성들의 크고 각진 그림자 등 돌출된 그림자가 두드러지며 밝음과 어두움의 조화를 보여준다.

<Beachy Volley>(2023)에서는 두 명이 한 팀을 이뤄 빠르게 승부를 내는 팀 스포츠, 배구 경기가 등장한다. 캔버스의 오른쪽 가장자리의 인물은 수직으로 뛰어오르며 허공에 양팔을 뻗어 우리에게 돌진하는 공을 막으려 한다. 키에르고르는 앞서 설명한 작품에서 그랬듯 커다란 형상을 작품의 전경에 배치하여 우리를 화면에서 벌어지는 행위 가까이로 바짝 끌어당긴다. 이는 작가가 그린 세계와 실제 세계가 거의 구분되지 않게 만드는 장치다. 이 그림에 역동성을 불어넣는 것은 여성들의 거친 머리카락과 민첩한 포즈만이 아니다. 서로 섞이지 않은 넓적한 붓질이 인물들을 둘러싼 주변 분위기에 생동감을 선사한다. 배구 코트는 폭풍우가 몰아치는 바다의 거친 표면을 연상케 하는 짙은 청록색으로 칠해져 있고, 네트는 위아래를 가로지르는 선들로 이루어져 있다. 역동성은 작품에 묘사된 장면 뿐 아니라, 그 장면에 생동감을 불어넣기 위해 열정적으로 칠한 물감에서도 느낄 수 있다.

가장 거대한 작품인 <Tennis Trouble Makers>(2023)에서는 열광적인 이 에너지가 더욱 강렬해진다. 이 작품에서는 열두 명의 여성과 개 두 마리가 넓은 녹색 테니스 코트에서 한바탕 소동을 만들어 낸다. 이들은 더 이상 경기의 규칙에 얽매이지 않은 채 달뜬 모습으로 테니스 네트와 높은 심판석에 오르고, 테니스 라켓을 무기처럼 휘두르면서 밝은 노란색 공을 여기저기 던지고 있다. 질주하는 개들은 공 몇 개를 물고 뛰어나가는 모습이다. 이 커다란 작품의 규모는 19세기의 파노라마 회화처럼 상당한 몰입감을 선사한다. 그림의 아래쪽 가장자리에선 폭이 넓고 격자 무늬를 한 밝은 흰색 테니스 네트가 튀어 나올 듯 보이고, 실제와 크기가 거의 같은 여성들의 신체는 우리가 있는 공간을 향해 금방이라도 뛰쳐나올 것만 같다. 전경에 있는 거의 모든 인물은 각진 다리를 과감히 벌린 채 우리를 향해 움직이며, 주변 상황을 신경 쓰지 않고 오히려 저돌적으로 맞닥뜨리는 대범한 모습이다. 여기서 테니스를 즐기는 여성들은 무엇에도 얽매이지 않는 야성적인 모습을 보여주며, 언뜻 불안정해 보이지만 그럼에도 활기차게 움직이려는 모습이 그들의 강인함을 증명한다. 더욱 중요한 것은 그들이 스스로를 의식하지 않는다는 점이다. 이렇듯 작가가 표현하는 여성의 힘과 운동 능력은 부끄러움을 느끼지 않고 끊임없이 도전하는 여성 신체에 대한 꿈이자, 동시에 굳은 결의이다.

On February 16, 1991, Tonya Harding slid out onto the ice of the Target Center in Minneapolis, Minnesota for the U.S. Nationals Figure Skating Championships. That day, Harding planned to land the triple axel, a treacherously difficult jump that would require her to make three-and-a-half revolutions mid-air. It had never before been executed by an American woman in competition. Working-class, tomboyish, and less polished than her peers, Harding believed that she was frequently deprived of top scores because of classist bias amongst the judges. In her calculation, the indisputable achievement of the triple axel would guarantee her the gold. Before the start of the music, Harding glided to the middle of the rink in a V-necked, silky turquoise leotard adorned with a flouncy spat of fabric around the waist. 40 seconds into the routine, she bent her legs at sharp 90 degree angles, crossed her arms and lifted off into the air, achieving the unthinkable in a split-second frenetic blur of motion, a feat of physical precarity. She earned the #1 spot that day.

Harding was a woman who hovered at the edge of respectability, only finding institutional accolades through unmatchable acts of athleticism. Her form, knife-like and rebellious, endures as an image of muscular determination. Like Harding on the ice, Mie Olise Kjaergaard’s recent paintings are populated by a cast of wild-haired, limber amazons that ask us to consider female athleticism as a riposte to norms of acceptability. Kjaergaard’s figures are unbridled performers arranged before us in various tableaux. They occupy boxy, staged mise-en-scène pointedly oriented to the audience and, in groups or teams, vigorously enact various sporty occupations, including lifting weights, spiking volleyballs, jumping hurdles, and bounding across tennis courts. The atmosphere and settings around them are rendered in jewel tones of bright pink, forest green, and turquoise. Long limbed, lean, and tanned to a dark brown, these women wear bikinis, tennis whites, and sports bras. Like Harding in her girly costume, there is a certain frisson between the trappings of femininity that spangle their forms and the jutting lines and fierce gestures of the musculature underneath. Eventually, chaos ensues.

In Four in a Row, 2023, a quartet of nearly identical bodies occupy the points of a diamond shape on a tall rectangular canvas. Each is mid-leap, about to rocket over a black-and-white-striped hurdle. With legs spread wide at acute right angles, the geometric razor edge of their limbs is echoed in the thatches of long brown hair that erupt vertically from their heads in long shafts of disarray. Their eyebrows too are jutting dashes and the jolting black shadows below each figure emphasize this angularity as do the crisscrossing grids of fencing that line the upper corners of the piece. A violently pink track field rendered in big bold strokes and swooshes of pigment adds to the staccato energy of the composition. Sharp as blades, there is no doubt of the leapers’ dominance, of the inevitability that they will land on the other side of each flimsy barrier.

Muscle Beach Ready Action, 2023, another large-scale work, features a cast of the same characters, this time gathered on a sandy palm-tree lined court, flexing their musculature and lifting weights. The coastal setting is inspired by the artist’s recent sojourn in Venice, California where bodybuilders gather to flex and pump iron oceanside. Two large poseurs in the foreground show off classic poses, curling their biceps and flexing their hamstrings for the viewer. Their rectangular pumping ground takes on the quality of a theater stage, with us on the other side of the fourth wall, menaced by their economically rendered eyebrows and curled fists. The sunny, yellow-hued scene is tempered by a preponderance of protruding shadows, including those of the spiky-topped palms that surround them and the large angular shadows of the women themselves.

Team sports make an appearance in Beachy Volley, 2023, a high-speed volleyball game played by opposing sides of two players. A figure at the right-hand edge of the canvas jumps vertically, arms piercing the air, attempting to block a ball that is hurtling toward us. As in the previous works discussed, Kjaergaard puts us right up close to the action, with large forms occupying the foreground, a device that leaves little separation between her painted world and the real one. It is not only the women’s untamed hair and agile poses that imbue the painting with dynamism. The artist’s unblended, wide brushstrokes create a sense of gestural verve in the surrounding atmosphere. The court itself is composed of crisscrossing swoops and washes of deep turquoise, resembling the turbulent surface of a stormy sea. The action is not simply in the scene rendered, but in the frenzied application of pigment that brought it into being.

This frenetic energy intensifies even more in the monumental work Tennis Trouble Makers, 2023, in which a dozen women and two canines create pandemonium on a large green court. No longer engaging with the rules of play, these characters feverishly climb the net and tall umpire’s chairs, brandish tennis rackets like weapons, and throw around bright yellow balls, some of which are absconded by racing dogs. The piece is so large it takes on the immersive effect of a nineteenth-century panoramic painting. The wide, gridded, and bright white tennis net juts up against the bottom edge, with the nearly life size bodies seemingly about to leap into our space. Almost all of the figures in the foreground move toward us with their angular legs wildly spread, a carefree and confrontational kind of unshielded embodiment. Here, Kjaergaard’s players are utterly unbounded and feral, displaying exercises in physical precarity as proof of strength, but, more importantly, unselfconsciousness. The artist’s performative fantasy of female strength and athleticism is as much an exaltation of sinewy resolve as it is a dream for a feminine body free of shame.

미에 올리세 키에르고르(Mie Olise Kjærgaard) – Gamechanger Mie Olise Kjærgaard – Gamechanger

박주원 Joowon Park

국립현대미술관 학예연구사 Curator, National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA)

미에 올리세 키에르고르(Mie Olise Kjærgaard)는 1974년 덴마크에서 태어나 15세부터 작업 활동을 시작하였다. 코펜하겐, 런던, 미국 등 여러 곳에서 거주하고 활동했지만, 특히 어린 시절을 모르스 섬(Mors Island)에서 보내면서 얻은 덴마크적 뿌리가 그녀의 관점과 예술적 방향성에 근본적인 영향을 미쳤다. 학부 시절 오르후스 건축대학교(Arhus School of Architecture)에서 6년간 건축을 공부한 그녀의 초기 작품은 건축 구조물, 버려진 건축물, 유랑하는 놀이공원 등을 중심으로 한 것이었는데, 이는 그녀가 계속해서 탐구하고자 했던 사회 구조와 기후에 대한 그녀의 관심을 드러내는 것이었다. 런던의 센트럴 세인트 마틴 대학교 건축 대학(Central St. Martins School of Architecture)에서 MFA 과정을 통해 건축과 예술에 대한 전문성을 연마한 키에르고르의 예술 여정은 중요한 진화를 겪었다. 이후 그녀의 작업은 페미니즘적 관점에서 바라본 여성 인물에 초점을 맞춤과 동시에 커다란 스케일의 회화, 역동적인 붓놀림이 특징인 독특한 스타일로 발전했다. 특히 강렬한 그녀의 붓질은 단순한 스타일적 선택이 아니라, 그녀가 그림을 그리는 과정에 있어 역동적으로 움직이는 작가의 신체에 대한 관심, 보다 동적이고 에너지 넘치는 캔버스를 창조해 나가는 것에 대한 생각들을 복합적으로 반영한다.

이 역동적인 움직임 안에서 작가는 청소년기의 원초적 에너지와 개인적 자유를 포착한다. 이는 키에르고르가 어린 시절 양손을 놓고 자전거를 타거나, 맨손으로 나무에 오르는 등 그녀가 직접 경험했던 도전과 성취의 기억들을 기반으로 한다. 그녀에게 있어 이러한 기억의 소환은 최고의 자유를 상징함과 동시에, 사회적 판단 기준에 부합해야 한다는 두려움에서 벗어나 자유로운 내면을 가감 없이 드러내는 것이다. 특히 그녀의 작업에 등장하는 여성들은 이러한 대담한 성격을 소유하고 있는데, 그들은 뻔뻔하고 대담하게 관객과 눈을 마주치며, 자유롭게 몰두하여 그들만의 세계를 창조한다. 이 여성들의 머리카락은 에너지 넘치는 야생처럼 흩날리고, 그들의 표정은 어떻게 보이거나 행동해야 하는지에 대한 걱정이 전혀 없는 것처럼 보인다. 이러한 모습들은 전통적으로 여성에게 입혀졌던 취약함과 수동성이라는 이미지들을 강함과 자율성으로 변환함과 동시에, 단순한 신체적 움직임이 아니라 사회적 고정관념을 거부하는 여성들 간의 든든한 지원과 강인한 연대를 상징한다. 이렇듯 작품 속 여성들의 몸짓과 표정은 단순한 물리적 행위를 넘어 자기주장, 자율성, 전통적 성 역할에 대한 도전 등, 더 깊고 다양한 의미를 내포하고 있다.

그리고 이러한 관점에서 키에르고르가 그려낸 인물들은 기존 역사 쓰기에 지배적으로 잔존하는 남성적 시선에 도전한다. 그녀가 그림의 중심에 여성을 두는 것은 역사 속 여성에 대한 대상화 및 이상화에 대한 전복적 시도다. 키에르고르의 작업 속에 등장하는 여성들은 힘차고 자신감 있는 표정으로 독립적이고 역동적인 활동에 적극 참여함으로써 그들의 독립성과 힘을 드러낸다. 이러한 접근 방식은 여성들이 역사 안에서 더 이상 수동적인 객체가 아닌, 자신들의 이야기를 스스로 써 나가는 적극적인 주체가 될 수 있다는 기대와 희망이며, 여성에 대한 새로운 내러티브를 창조하려는 작가의 의도가 반영된 도전이다.

작가는 작품 속 인물들을 강력하고 활동적인 운동 속에서 자신들의 몸을 직접 움직이며 경험하는 방식으로 묘사함으로써, 여성 스스로의 시선을 되찾는다. 작가의 세계 속 여성들은 테니스, 배구, 역도 등 다양한 스포츠에 참여하고, 신화 속에서나 만날 법한 괴이한 동물들을 정복하며, 강력한 공동체를 구성한다. 이와 동시에 키에르고르의 작업은 시간 구분이 없는 평행 우주, 조화롭고 계급이 없는 평등한 공간으로 펼쳐지는데, 이는 테니스 라켓과 같은 일상적인 물건과는 어울릴 수 없는 신화 속 동물들이 하나의 장면에 등장하면서부터 탄생하게 된다. 키에르고르는 이러한 자신만의 독특한 허구적 상상 세계를 모이라니아(Moirania)라 명명하였고, 창조물 그 자체로 예술적인 이 세계관은 키에르고르 작품의 주된 배경이 된다. 모이라니아에서는 시간과 공간이 초현실적으로 혼합되어 보다 자유로운 표현이 가능한데, 이 곳에서 작가는 현실의 물리적 제약에 구애받지 않고 인간 운명, 자연, 상호작용 등의 다양한 주제들을 탐구한다.

비현실적이고 환상적인 풍경 속에서 배구, 테니스 등 일상적인 활동에 참여하는 모이라니아 사람들을 통해 우리는 일상적인 것과 비일상적인 것이 만나는 대안적인 현실을 엿볼 수 있으며, 그와 동시에 언제나 같다고 느껴지는 평범한 일상에도 비범한 측면이 존재한다는 것을 돌아볼 수 있다. 더불어 그녀의 작업 속에서 드러나는 이러한 자유로운 설정과 표현들은 해방, 활력, 그리고 여성 권리와 자유를 위한 역사적 투쟁을 반영한다. 특히 테니스는 해방과 권한의 상징으로 키에르고르의 작품에서 중요한 역할을 한다. 그녀의 작업 속에서 여성들은 테니스 라켓을 마치 무기처럼 들고 있는데, 이는 스포츠의 우아한 이미지와 함께, 사회 구조 속에서 여성들이 자신의 위치와 가능성을 증명하고자 하는 투쟁의 모습을 결합한 것이다.

이렇듯 키에르고르의 작품은 사회와 전통에 대한 그녀의 의식적 분노와 어린 시절의 아름다운 환상들이 혼합되어 있기에 독특하고 활기찬 미학을 창조하며, 지금 시대를 살아가는 우리로 하여금 깊은 울림을 준다. 작품을 통해 키에르고르는 전통적 여성 이미지의 경계를 지속적으로 밀어붙이면서, 여성에 대한 서사를 확대하고 혁신적으로 변형한다. 그녀의 작업은 여성들이 자신의 욕망을 적극적으로 표현함과 동시에 행동으로 옮기고, 스스로 서 있을 수 있는 우주를 제공함으로써 의미 있는 방향성을 제시함과 동시에 여성 권리가 특히 제한되는 여러 지역과 정치적 영역에서 고요하지만 커다란 영향력을 일으킬 수 있다고 믿는다. 키에르고르의 작품은 자유로운 표현, 분노, 기쁨, 자신감, 고정된 기준과 지도자가 없는 혼란으로 가득 차 있기에 전통적인 성 역할과 남성 중심적 시선에 도전하며, 여성 경험의 다면적인 시각을 제안한다. 그녀의 이 의미 있는 철학과 일련의 작업들은 현대 미술사 안에서 페미니스트 예술의 연속이자 재해석으로 드러나며, 강하고 독립적인 여성의 시각적 스토리텔링에 새로운 장을 더할 것이다.

Mie Olise Kjærgaard was born in Denmark in 1974 and began her artistic journey at the age of fifteen. She lived and worked in Copenhagen, London, and the United States, while her Danish roots shaped during her childhood on Mors Island significantly influenced her perspective and artistic path. After studying architecture for six years as an undergraduate at Aarhus School of Architecture, the artist focused on architectural structures, abandoned buildings, and neglected amusement parks in her early works. The works reflected her keen interest in social structure and climate that she continued to explore. A pivotal shift in her artistic journey took place as she deepened her expertise in architecture and art during the MFA course at Central St. Martins School of Architecture in London. Since then, her works have evolved into a unique style with large-scale paintings and dynamic brushstrokes, centering on women’s figures from a feminist perspective. Particularly, her turbulent brushwork is not simply a stylistic choice. Rather, it is a reflection of her attention to the body, as she actively moves around while working on her paintings, as well as ideas to imbue the canvas with lively and energetic movements.

Within these dynamic movements, the artist captures the untamed energy of adolescence and personal freedom. They are based on her recollections of challenges and achievements as a child herself, such as riding a bicycle no-handed and climbing trees with bare hands. To the artist, the act of recalling the memories encapsulate ultimate freedom and revealment of her unbounded inner self, breaking free from the fear of going against societal judgments and standards. The women depicted in her artwork possess this bold nature. The brazenly confident women gaze intently at the viewer and immerse themselves in creating their own world. Their hair projects outward in a wild fashion, while their facial expressions appear to be unconcerned with how they should look or behave. They are not merely simple physical movements. Those depictions not only reframe the conventional image of women with vulnerability and passivity into strength and autonomy, but also symbolize robust support and solidarity among women who defy social stereotypes. Accordingly, going beyond simplistic physical actions, the gestures and expressions of women in her work embody deeper and more diverse meanings such as self-assertion, autonomy, and challenges to traditional gender roles.

From this perspective, Kjærgaard’s characters confront the male-centered viewpoint prevalent in historical narratives. Placing women at the center of her paintings represents her attempt to subvert the objectification and idealization of women throughout history. The women demonstrate their independence and vigor by actively engaging in dynamic exercises with a powerful and confident look. This approach implies hope and expectation that women can take on proactive roles and write their own stories, rather than remaining as passive objects. Also, it reflects the artist’s intention to challenge and create a new narrative about women.

The artist portrays female figures who actively move and master their bodies, participating in powerful and active movements, thus reclaiming their own perspective as women. They play tennis, volleyball, and weightlifting, conquer unrealistic animals that might appear in myths, and form a robust community. At the same time, her artwork is set in a timeless parallel universe without any hierarchy. This equal and harmonious place is created through the coexistence of mythical creatures and daily items such as tennis rackets in a single scene. She named this unique imaginary world as “Moirania,” where all creatures are artistic by their existence, and used it as the primary backdrop of her artwork. In Moirania, temporality and spatiality are surreally blended, allowing for more bold expressions. Here, the artist explores various themes such as human destiny, nature, and interaction, free from the physical constraints of reality.

In the utopian and fantastic landscapes, the Moiranians enjoy volleyball, tennis, and other everyday activities. At this point, we can get a glimpse of an alternative reality in which the ordinary and the extraordinary are intertwined and find remarkableness hidden in our daily routines. Moreover, the unconstrained settings and expressions in her works embody liberation, vitality, and the historical struggle for women’s rights and freedom. Notably, tennis plays an important role as a symbol of women’s empowerment and liberation. The depiction of female figures wielding tennis rackets like weapons is a combination of the elegant image of sports with women fighting to assert their positions and potential within societal structures.

Combining her purposeful anger toward society and tradition with beautiful fantasies of her childhood, Kjærgaard creates a distinct and lively aesthetic that resonates deeply with people living in the contemporary society. She continues pushing the boundaries of the conventional portrayal of women to expand and innovatively transform their narratives through her paintings. Kjærgaard’s work not only encourages women to express and fulfill their desires, but also provides meaningful direction by creating a universe where they can stand independently. Furthermore, she believes that a quiet yet substantial impact can be made in regions and political circles where women’s rights are restricted. Brimming with boundless expression, anger, joy, confidence, and chaos devoid of fixed standards or leadership, her works challenge traditional gender roles and the male-centered gaze, presenting multifaceted views on women’s experiences. Her profound philosophy and series of works contribute to the continuation and reinterpretation of feminist art, ushering in a new chapter in the visual narrative depicting fearless and independent women in the contemporary art history.