15 JULY 2022 - 8 SEPTEMBER 2022

Ten Thousand Eyes

15 JULY 2022 - 8 SEPTEMBER 2022

파운드리 서울은 2022년 7월 15일부터 9월 8일까지 덴마크 코펜하겐을 기반으로 활동하는 이란 출신 작가 파샤드 파르잔키아의 아시아 최초 개인전 《Ten Thousand Eyes》를 선보인다. 이번 전시는 과거와 현재, 전통과 대중문화, 이란과 서구 문화를 넘나들며 다채로운 이미지를 발견하고 이를 새로운 시각으로 해석하여 끝없이 연결되는 이야기로 재탄생시키는 파샤드 파르잔키아의 작품 세계를 17점의 신작 및 근작 회화와 25점의 드로잉을 통해 소개한다.

거침없는 붓 터치, 어린아이가 그린 듯 단순하면서도 과감한 형태와 구성, 검정, 빨강, 파랑, 진한 핑크, 주황 등의 강렬한 색감으로 채워진 파샤드 파르잔키아의 그림은 조형적으로나 표현적으로나 새로운 미적 자극으로 다가온다. 작가는 우리를 둘러싼 시각적 세계의 풍부한 재료들을 새로운 방식으로 연결하고 중첩시켜 독특한 장면을 구성한다. 보는 이의 경험이나 기억과 공명하여 연상 작용을 일으키는 이미지의 배열을 통해 작가는 “일종의 마인드 맵이라고도 할 수 있는 역동적인 이미지들의 네트워크”를 구축하고, 그 속에 정체성과 소속감, 자유, 세계화 시대의 개인의 존재 방식에 대한 고민을 담아 왔다.

파르잔키아의 작품은 “문화를 넘나들며 사고하고, 양립 불가능한 문화를 한데 묶는 새로운 방법을 대중에게 전달하고자 하는 강력한 의지”를 품고 있다. 1980년 이란의 수도 테헤란에서 태어난 파르잔키아는 아홉 살 때 이란 혁명의 여파로 가족들과 함께 덴마크로 이주하면서 이질적인 문화를 동시에 접하고 영향을 받았다. 13세기 신비주의 시인 루미를 비롯한 페르시아의 시 문학, 고대 페르시아 철학자 자라투스트라의 사상, 이란의 영화감독 압바스 키아로스타미의 작품을 통해 자신의 문화적 유산에 대한 깊은 조예를 쌓는 한편, 새롭게 접하게 된 서구의 시각 문화와 대중문화, 특별히 피카소와 옌스 빌룸센, 아스거 욘을 비롯한 표현주의 및 추상표현주의 회화, 스웨덴의 시인 군나르 에켈뢰프의 초현실주의 시, 뉴 저먼 시네마 운동의 기수인 라이너 베르너 파스빈더 감독의 영화, 밥 딜런의 시적인 노랫말에 크게 매료되기도 했다. 이토록 다양한 자극은 인간의 삶과 주위 세계, 그리고 이미지를 대하는 작가의 독창적 시선과 작업 방식, 회화적 언어의 근간을 이룬다.

이번 전시에서는 파르잔키아가 경험한 여러 문화적 요소와 그들이 작가의 작품 세계 안에 공존하고 있는 다양한 방식이 상세히 소개된다. 조로아스터교 신화의 인물을 주인공으로 불러오는 회화 <Mithra in Darkwater>(2022), <Ahura>(2022)와 고대 중동의 벽화를 연상시키는 드로잉 <Masked Ball 1-9>(2022)에서 전통문화와의 연관을 찾아볼 수 있다면, 영국 락밴드 알란 파슨스 프로젝트의 음반 커버를 캔버스 한 귀퉁이에 그려 넣은 회화 <Atlas and the Eye in the Sky>(2022)나 미국의 싱어송라이터 프린스의 무대 의상과 파스빈더의 대표작 <페트라 폰 칸트의 쓰디쓴 눈물>(1972) 속 한 장면을 연상시키는 금발 머리 인물들의 초상화 <Prince in Black>(2022), <Figure in Green>(2022)는 서양 대중문화에 대한 작가의 관심과 지식의 깊이를 가늠해 볼 수 있게 한다. 작가는 상이한 배경에서 온 형상과 구성을 과감하게 한데 묶어 생경함과 익숙함을 동시에 선사하는 화면을 구성해내기도 한다. 가령 터번을 쓴 사람의 옆 얼굴이 반복적으로 등장하는 <Guardsmen>(2022)에서 그림 속 인물의 생김새나 옷차림은 고대 페르시아의 문화를 즉각적으로연상시키는 데 반해, 화면을 분할하고 그 위에 형상을 반복적으로 배치하는 구성은 서양 현대 미술이나 그래픽 디자인에 자주 등장하는 형식을 떠오르게 한다.

파르잔키아 작품의 또 다른 중요한 특징은 자신만의 “의미의 사전(Lexicon of Meanings)”을 활용하여 상징들의 무한한 연상 작용을 촉발한다는 점이다. 작가의 그림에는 새, 불꽃, 사자, 눈 같은 상징이 반복적으로 등장하는데, 작가 스스로 밝힌 문화적 영향들을 미루어 볼 때 그 의미를 유추하기란 그리 어려운 일이 아니다. 시인 루미의 시어에서 인용한 새는 공동체와 방향성을 찾아가는 움직임으로, 불꽃과 사자는 선을 행하고 악에 맞서 싸우라는 조로아스터 교의 가르침과 연관하여 이해할 수 있다. 특별히 작가는 이번 전시에서 ‘눈’ 상징을 적극적으로 사용한다. 서로 다른 문화에서 온 것으로 보이는 두 인물의 대화 장면<Negotiations Skills 1-5>(2022), 어딘가 알 수 없는 곳을 함께 바라보고 있는 사람들의 모습 <Perspective Ocean>(2022), 높은 벽에 달려 전시장 전체를 내려다보는 거대한 형상<Redeem>(2022)과 겹겹의 색깔 레이어로 된 가면들 <Eyes 1-3>(2022)에 그려 넣어진 또렷한 눈은 사람의 진실한 감정과 마음을 마주하는 일을 반복하여 상기시킨다.

하지만 작가는 이들을 단일한 뜻에 고정해두기보다 이전과는 다른 방식으로 연결되고 해석되어 새로운 이야기와 시각적 효과로 자유롭게 흘러가도록 두기를 선호한다. 파르잔키아에게 작업이란 반복되는 일상 바깥으로 나아가는 “새로운 문을 찾는 것”이기 때문이다. 작가가 사용하는 상징들이 총망라된 두 대형 작품 <Ghostship>(2022)과 <Tension of Arrival>(2022)은 상징을 매개로 촘촘히 연결되며 새로운 이야기로 뻗어나가는 작품들의 역동을 단적으로 보여주고, 전시 너머로 이어질 새로운 이야기의 출발점이 된다.

‘만 개의 눈’이라는 뜻을 가진 제목의 이번 전시에서 파르잔키아는 무한함과 인간다움이라는 두 개념을 하나로 담아내는 데 집중했다. 그는 작업을 통해 자신이 바라보고 해석하는 세계를 보여줄 뿐만 아니라, 보는 이들을 무수히 많은 가능한 인식과 해석을 만들어가는 과정, 그래서 마침내 개개인의 고유한 방식으로 자신만의 세계를 창조해가는 여정으로 초대한다.

FOUNDRY SEOUL presented Copenhagen-based Iranian artist Farshad Farzankia and his first solo exhibition in Asia, Ten Thousand Eyes from July 15 to September 8, 2022. Through 17 of the latest paintings and 25 drawings, the exhibition presented the vision of an artist who bridges past and present, tradition and pop culture, and Iran and the West, from his discovery of diverse images, interpretation of them from alternative perspectives, and transformation of them into constantly continuing stories.

Characterized by confident brushstrokes and simple yet bold shapes and compositions like images drawn by a child, Farzankia’s paintings are filled with the powerful colors of black, red, blue, deep pink, and orange, providing a new form of stimulation in both aesthetic and expressive terms. He draws on an abundance of references to the visual world around us, connecting and layering them in new ways to create unique scenes. Arranging images that elicit associations as they resonate with the viewer’s experiences and memories, the artist creates “paintings that could be more accurately described as a mind map—dynamic network of connection.” Within that, he expresses his thoughts on identity and belonging, freedom, and ways of being for people living in the globalization era.

Farzankia’s works exhibit an “impulse to convey to the audience new ways of interpreting the world and thinking across cultures, bringing visual elements from different cultures together.” Born in 1980 in the Iranian capital of Teheran, he relocated to Denmark with his family at the age nine in the wake of the Iranian Revolution, where he was exposed to and influenced by different cultures. He gained an understanding of his own cultural heritage through Farsi poetry and literature—including the work of the 13th-century mystic and poet Rumi—and the ideas of the ancient Persian philosopher Zarathustra and works of Iranian film director Abbas Kiarostami. At the same time, he grew fascinated by the new visual and popular culture he encountered in the West: particularly the expressionist and abstract expressionists paintings of Pablo Picasso, Jens Ferdinand Willumsen, and Asger Jorn; the surrealist poetry of Swedish poet Gunnar Ekelöf; the films of one of the prominent figures of New German Cinema movement Rainer Werner Fassbinder; and the poetic lyrics of singer Bob Dylan. These stimuli form the backbone of his artistic approach, pictorial language, and original perspective on human life, the surrounding world, and images.

This exhibition focuses in detail on the various cultural elements that Farzankia experienced, and on the different ways they coexist in his artistic body of work. In his paintings that center on figures from Zoroastrian mythology Mithra in Darkwater (2002), Ahura (2002) and his drawings recalling the murals of ancient Middle East Masked Ball 1-9 (2022) show connections with traditional culture, while Atlas and the Eye in the Sky (2002), with its image of an album cover for the English rock band Alan Parsons Project in one corner, or Prince in Black (2002) and Figure in Green (2002), with their portraits of blond figures recalling the stage outfits of the American singer/songwriter Prince and a scene out of Rainer Werner Fassbinder’s The Bitter Tears of Petra von Kant (1972), offer a glimpse at the depth of the artist’s interest in and knowledge of Western popular culture. By putting shapes and compositions together from different backgrounds, Farzankia creates canvases that convey a sense of both familiarity and unfamiliarity. For example, the appearance and dress of the figures in his Guardsmen (2002), which repeatedly shows the faces of turbaned men in profile, elicits immediate associations with ancient Persian culture, while the composition, with its division of the frame and repeated placement of forms, recalls a style that often appears in Western contemporary art and graphic design.

Another key aspect of Farshad Farzankia’s work is the way in which he applies his own “Lexicon of Meanings” to elicit endless associations of symbols. In his paintings, certain symbols appear repeatedly including birds, flames, lions, and eyes. From the artist’s cultural influences, it is not difficult to deduct the meaning of these symbols. Birds, which reference the poetic language of Rumi, are seen to represent movement towards agency and while flames and lions may be understood in relation to the teachings of Zoroastrianism, which teaches practitioners to act virtuously and battle evil. In this exhibition, the artist makes particularly active use of eyes as symbols. The clear eyes that are presented in his works—including a scene of dialogue between two figures who appear to come from different cultures Negotiations Skills 1-5 (2002), people gazing out together at some unknown location Perspective Ocean (2022), a large shape hanging high up on the wall looking down over the gallery Redeem (2022), and masks consisting of layers of colors Eyes 1-3 (2022)—repeatedly evoke an encounter with a person’s true feelings and heart.

But the artist does not pin each of these to a single meaning; instead, he allows them to flow freely into new stories and visual effects as they are connected and interpreted in new ways. For Farzankia, the creative process is a matter of “finding new doors” outside of the repetition of daily life. Ghostship (2022) and Tension of Arrival (2022), the two large paintings filled with symbols in the whole canvas, offer a clear illustration of the dynamics of artworks that branch out into new stories as they are closely connected together through the symbols. They are also a starting point for other new stories that continue beyond the exhibition.

For this exhibition, Ten Thousand Eyes, the artist focuses on merging the two concepts of infinity and humanity. Through his works, he shows not just the world as he sees and interprets it but invites viewers into a process of creating innumerable possibilities of perceptions and interpretations, a journey of creating their own worlds in their own ways.

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Farshad Farzankia

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떠오르는 샛별, 파샤드 파르잔키아 FARSHAD FARZANKIA, A RISING STAR

크리스티안 게더 Christian Gether

미술 작가, 큐레이터 Art writer and a curator

파샤드 파르잔키아(1980-)는 미술계에 떠오르는 샛별로, 2016년 미술계에 발을 들이자마자 대성공을 거두었다.

미술 애호가들은 파르잔키아를 보며 마치 스스로도 갈망하는 줄 몰랐던 어떤 예술적 표현을 하루아침에 맞닥뜨린 것처럼 느꼈다. 사람들은 생경함과 익숙함을 동시에 느끼게 하는 회화 표현, 그리고 비전을 품은 아티스트를 만났다. 그 비전이란 선언문처럼 적어 내려간 것이 아니라 세계를 해석하고, 문화를 넘나들어 사고하며, 여러 문화의 시각적 요소를 활용하고, 언뜻 보기에 양립 불가능한 문화를 한데 묶는 새로운 방법을 대중에게 전달하고자 하는 강력한 의지이다.

파르잔키아는 다양한 문화를 탐구하면서 우리 모두가 오래전부터 전해 내려오는 지식에 새로운 대중 매체가 결합해 형성된 거대한 문화 흐름의 일부임을 확인시켜 준다. 그의 작업실에 늘 음악이 흐르고 있고, 그의 음악 취향을 대변하는 곡이 밥 딜런의 <The Times They are A-changing>^[1]이라는 사실은 그의 예술적 특성을 잘 보여주는 대목이다. 파르잔키아는 음악에 관심이 깊은데 본인의 말을 빌리자면 음악에는 궁극적인 연상의 자유가 있기 때문이다. 그는 특히 밥 딜런의 노랫말에서 느껴지는 속도감 있는 회화적 연상에 매료된다. 모든 것은 변하고 있다. 예전 그대로인 것은 아무것도 없다. 그러므로 세상을 바라보는 새로운 시각이 그림에 나타나도록 모든 것을 새롭게 탐구해야 한다.

파르잔키아의 그림은 우리를 둘러싼 시각적 세계를 풍부한 재료로 삼고 있을 뿐 아니라 이런 요소들을 시선을 확 사로잡는 배열로 결합해 우리를 유혹한다. 이는 관객을 끌어당기고 때로는 숨 막히게 할 만큼 아름답다. 그의 그림에는 유희적 요소와 악마적 요소가 공존하며, 우리를 매혹하면서도 한편으로는 생각하게 만든다.

이렇듯 파르잔키아의 작품은 현대의 대중문화, 현대와 동시대 예술가, 고전 영화와 현대 영화, 광고, 이란 문화와 서구 문화 등 다양한 레퍼런스를 관객에게 선보인다.

파샤드 파르잔키아는 이란에서 태어나 유년기를 테헤란에서 보냈고, 지역 전통과 현대의 국제적 문화 등 다방면으로 문화에 관심이 많은 가정에서 성장했다. 덕분에 이란에서 이슬람 혁명이 일어나고 이슬람 국가가 수립되기 전에 실베스터 스탤론과 아널드 슈워제네거가 등장하는 외국 영화들을 볼 수 있었고, 미국 음악, 특히 마이클 잭슨의 노래를 즐겨 들었으며, 광고나 영화, TV 등에 나오는 로고에 매료되었다. 그는 어떤 그림의 윤곽선이 그려져 있고, 거기에 원하는 색을 칠할 수 있게 되어 있는 그런 책들을 사랑했다. 그는 모든 색을 완벽히 칠하기보다는 미완성 형태로 두는 버릇이 있었는데, 이는 지금도 그가 자신의 작품을 작업할 때 계속해서 사용하고 있는 전략이기도 하다. 작품이 흥미를 일으키려면 부족한 부분이 있어야 한다고 생각하기 때문이다.

파르잔키아와 그의 가족은 이슬람 혁명 직후 이란을 떠나 터키와 사이프러스를 거쳐 1989년에 덴마크에 도착했다. 그들은 서구 문화를 적극적으로 수용하는 동시에 고국에 대한 기억을 또렷이 간직했다. 이 모든 것은 인간에 대한 기본적인 존중, 그리고 현대 문화에서 인간 존중이 차지하는 위치와 깊은 관련이 있다. 그러한 존중은 선과 악의 투쟁에서 모든 개인이 선을 위해 싸울 책임이 있다고 말한 고대 페르시아 철학자 차라투스투라에게까지 거슬러 올라간다. 차라투스트라는 말했다. 선한 일을 하고, 좋은 것만 말하며, 좋은 생각을 하라고.

현대의 시각 문화와 페르시아의 전통문화에서 받은 영향은 고스란히 파르잔키아의 마음에 둥지를 틀었고 이는 후일 그가 시각적 모티프를 갖고 노는 데 유용한 재료 창고가 되었다. 그는 모티프와 연상을 요리조리 주무르며 서로 섞고 하나로 융화시킨다.

파르잔키아에게 그림을 창조하는 일은 길고 복잡한 과정이다. 맨 처음은 언제나 드로잉이다. 드로잉을 하면서 어떤 모티프가 모습을 드러내면, 그중 일부가 회화 작업으로 이어진다. 드로잉은 무한한 방식으로 조합할 수 있는 밴드의 악기들 또는 합창단 속 개개인의 목소리와 같다. 이와 같은 접근법은 즉흥연주가 특징인 재즈에서 영감을 받은 것이다. 그는 한 번에 여러 그림을 작업하며, 어떤 모티프는 오랫동안 미완성 상태로 남겨진다. 어떤 작업은 몇 달 동안이나 미완성 상태로 작업실에 남아 파르잔키아의 창의성과 정신적 교감을 나누기도 한다. 미완성 그림은 그에게 다시 돌아와 즉흥적으로 작업을 이어가라고 재촉한다. 이러한 방식은 그의 회화를 문화적 균형과 평등이라는 메시지에 부합하는 완전체로 만들어준다.

이번 전시에서 파르잔키아는 하나의 모티프를 각각의 작품에서 반복한다. 그는 인간의 얼굴과 몸을 여러 개의 이미지로 아름답게 변형시켰고, 인간의 가장 기본적인 상징이라 할 수 있는 눈을 꺼내 들었다. 상대의 눈을 들여다보는 것은 마치 상대의 마음을 읽는 것과 같다. 눈은 호기심, 두려움, 기쁨, 분노, 애정, 천진함 등을 표현할 수 있다. 우리가 상대방에 대한 진실을 찾을 수 있는 곳도 눈이다.

파르잔키아는 멍하게 연출된 눈 양편에 머리카락을 그려서 얼굴 하관 또는 인체로 해석될 수 있는 거대한 형체 양편으로 곱슬곱슬하게 흘러내리게 한다. 자연스러운 비율은 무시된 채 형태와 색이 연출하는 조화로운 완전체가 각 그림에 드러난다. 파르잔키아는 그의 작품 속에서 소위 ‘결함’을 드러내는데, 세상에 완벽한 것은 없으며, 작품에서도 실제 세계의 진정한 상징을 보여주고 싶다는 뜻에서다.

이번 전시의 또 다른 작품들에서는 사람의 옆얼굴을 다양하게 변형시켰다. 어둡고 사악한 옆얼굴이 있는가 하면, 더 밝은 옆얼굴도 있다. 그림 속 인물들이 자유의 상징과 화합할 수 있도록 옆얼굴과 새를 함께 그린 경우도 자주 눈에 띈다. 새들이 다양한 형태로 변형되어 있는데, 자유 역시 그렇다. 자유는 다양한 형태와 변형을 거쳐서 온다.

죽은 새든 살아있는 새든, 새 그림은 자유를 상징한다. 또한 갈빗대, 가면, 두개골, 특히 손이 한결같이 등장한다. 손은 대개 예전 미국 전당포의 간판에 그려졌던 이미지와 관련이 있다. 우리는 기브 앤드 테이크(give and take)의 세계에 살고 있다. 이 세계는 끊임없는 상호작용과 교환, 영향과 협상이 일어나는 곳이다.

어떤 그림에서는 사람들이 대화를 나누고 있고 어떤 그림에서는 서로 등을 돌리고 있다. 이 인물들은 서로 다른 문화권에서 온 사람들처럼 보인다. 따라서 대화가 어려울 수 있지만, 다르게 생각하면 이것은 기회이기도 하다. 그래서 조화로운 공존의 기회를 확약하는 존재로서 언제나 자유의 상징인 새가 함께 등장한다.

고대 페르시아 프리즈(frieze)를 배경으로 사자를 다양하게 변형한 그림들은 고대 페르시아 장식, 그리고 3천 년 전만큼이나 오늘날에도 의미가 있는 차라투스투라의 사상과 관련이 있다. 이렇듯 파샤드 파르잔키아의 그림은 과거와 현재를 하나로 엮어내며 오늘날의 세계를 다채롭고 아름다운 시각으로 풀어낸다.

[1] 역자주: 한 사회 또는 국가의 사회적 규범, 표준, 기대치 등이 급격하게 달라지는 상황을 의미하는 말로, 밥 딜런의 노래에 후렴구로 등장한다.

Farshad Farzankia(b.1980) is a rising star on the firmament of art. He entered the art scene in 2016 and reached immediate success.

It was as if the art lovers suddenly met an artistic expression that they did not know that they had been longing for. They met a pictorial expression which felt both strange and familiar and they met an artist with a vision. Not a vision written down as a manifest, but an impulse to convey to the public new ways of interpreting the world, thinking across cultures, using visual elements from different cultures and bringing together cultures – which we thought were incompatible – together.

Farzankia looks at the many different cultures and ascertains that we are all part of the big flux of influences from new mass media combined with knowledge of ancient times. Therefore, it is very characteristic of Farzankia’s art that when you enter his studio there is always music played and a defining example of his taste in music is Bob Dylan’s song The Times are A-changing. Farzankia has a deep respect for music because – as he says – music has the ultimate liberty of association. Particularly in Bob Dylan’s texts he is also fascinated by the high pace of pictorial associations. Everything is changing. Nothing can remain as it were. Everything must be studied in new ways so that new understandings of the world emerge in his pictures.

In Fazankia’s pictures we are confronted an abundance of references to the visual world around us and we are seduced by the way he combines these elements in visually appealing configurations. Configurations which contain a beauty which attracts us and at times chocks us. There is at one time something playful in Fazankia’s paintings and something demonic. His paintings attract us and they make us think.

So, in Fazankia’s art, we are confronted with references to modern mass culture, to modernistic and contemporary artists, new and classic films, advertisements, Iranian culture and western culture.

Farshad Fazankia was born in Iran. He spent his early childhood in Teheran. He grew up in a family which was very interested in culture – all kinds of culture, local traditions, and modern international culture. Before the Islamic revolution in Iran and the establishment of the Islamic state, Farzankia could see international films with among others Sylvester Stallone and Arnold Schwarzenegger and he could listen to American music – particularly Michael Jackson – and he was fascinated by the logos from the advertising industry, films, TV, etc. He loved these books where the pictures are constituted by the contours of the motives so that you fill out the fields with the colors of your own choice. He made it a habit to fill out the fields in an imperfect way. That is a strategy that he continues in his paintings because he thinks that they needed to have a flaw to arouse interest.

Farzankia and his family left Iran soon after the Islamic revolution and arrived via Turkey and Cypress in Denmark in 1989. They immerged into the Western culture and kept a clear memory of their homeland. Behind it all lies a fundamental respect for the human being and its position in modern culture. That respect goes all the way back to the ancient Persian philosopher Zarathustra who focused on the fight between good and evil and said that everybody has an individual responsibility to fight for the good. Zarathustra said: Do good deeds, speak only good and have good thoughts.

The whole bombardment of influences from the modern visual culture and the traditional Persian culture camped in Farshad Farzankia’s mind and became an arsenal of material for his future play with motives. Farzankia plays with motives and associations and mixes and integrates them into each other.

For Farzankia it is a long and complicated process to create a painting. He always starts out by making drawings and the motives emerge and some of them are then continued in the paintings. The drawings are like the musical instruments in a band or the individual voices in a choir that can be combined in infinite ways. It is a jazz-inspired approach which has a lot to do with improvisation. He works at many paintings at the same time and some motives are left to mature for a long time. They can remain in the studio for months and establish a mental dialogue with Farshad’s creativity. The unfinished paintings provoke Farshad to come back and continue the work in a spontaneous way to establish a totality which is in accordance with his message of cultural balance and equality.

In the present exhibition Farzankia focuses on a series of singular motives in each individual artwork. He has made a beautiful series of variations of the human face and body. He has taken out the most basic symbol of the human being which is the eyes. When you look into the eyes of a fellow person it is as if you can read that person’s state of mind. The eyes can express curiosity, fear, joy, anger, affection, innocence, etc. It is in the eyes that you find the truth about the other person.

Farzankia combines the rendering of the eyes with abstractions over the hair that runs as curls on each side of the pyramidal figure that can be interpreted either as the lower part of the face or as the human body. The naturalistic proportions have been discarded and a harmonious totality of shape and colors emerge in each picture. He introduces what he calls ‘flaws’ in his pictures because nothing in the world is perfect and he wants his pictures to be true symbols of the real world.

Another series in the exhibition is a long range of variations on the human profile. There are dark and sinister profiles and there are profiles which are more lighthearted. Very often the profiles are combined with the symbols of birds so the persons in the pictures are combined with the symbol of freedom. There are birds in many variations, and such is also freedom: Freedom comes in many forms and variations.

Pictures of birds -dead or alive – symbolize freedom. There are uniforms with ribs, masks, craniums and especially hands! The hands often refer to the signs outside the pawn brokers’ shop in the old days in the U.S. We are in a world of give and take. It is a constant interaction and exchange, influences, and negotiations.

The paintings show people in dialogue with each other and some turning their backs to each other. The people seem to come from different cultures and dialogue can be difficult, but it is a possibility and the bird, the symbol of freedom is always present as a guarantee of the possibility of a harmonious existence.

The suite of paintings showing variations of a lion with an ancient Persian frieze as the background can refer to the ancient Persian decorations and the thoughts of Zarathustra which are as relevant today as they were 3000 years ago. So, in Frashad Fazankia’s painting, past and present is bound together in a colorful and beautiful understanding of the world today.

새로움을 위한 반복: 파샤드 파르잔키아 인터뷰 Repetition for Novelty: Interview with Farshad Farzankia

이슬비 Seulbi Lee

미술평론가 Art critic

L: 대학에서 디자인을 전공하고 오랫동안 그래픽 디자이너로 활동하며 음반 재킷, 영화 포스터 등을 제작했습니다. 그래픽 디자이너가 된 것은 아버지의 영향인가요? (그의 아버지도 그래픽 디자이너로 활동했다) 직장을 그만두고 순수미술로 전향해 전업 작가가 된 계기는 무엇인지 궁금합니다.

F: 네, 아버지께서 저에게 많은 영향을 주셨고 그래픽 디자인과 예술 전반에 대해 눈을 뜨게 해 주셨습니다. 아주 어렸을 때부터 아버지는 저의 스승이자 멘토였어요. 부모님께서 영화에도 관심이 많으셔서 저는 네 살 때부터 영화관에 다니며 많은 이미지를 접할 수 있었죠. 테헤란에서 초등학교에 입학할 때 부모님이 미술 수업을 듣게 해 주셨는데, 제가 그 수업을 참 좋아했어요. 그래서 그 길을 가게 되었습니다. 제가 일을 그만둔 계기는 따로 없습니다. 그림에 더욱 집중하려다 보니 자연스럽게 전업 작가가 되었지요.

L: 이란에서 태어나 어린 시절 덴마크에서 성장하면서 정체성에 엄청난 혼란을 겪었을 것으로 예상됩니다. 이란 출생이라는 점이 당신의 정체성에서 큰 영향을 미쳤을 텐데요. 동시에 다양한 원천 중의 하나로 느껴지기도 합니다. 분열되고 복합적인 정체성이 오히려 다원적인 가치를 존중하게 되는 발판으로 작용했는지요? 자신의 정체성에 대해서 어떻게 생각하시나요?

F: 매우 흥미로운 질문입니다만 제 대답이 충분할 지 모르겠습니다. 정체성은 개념적으로 대단히 복잡한 문제니까요. 일반적으로 말하자면 저는 우리 모두 살아가면서 정체성의 문제를 겪는다고 생각합니다. 제 경우에는 나이가 들고 어른이 되면서 정체성에 대해 더 많이 생각하게 되었습니다.

결국 우리가 어디에 살고 어떻게 보이느냐에 따라 인생의 장애물에 직면할 가능성이 달라진다고 말할 수 있을 것 같군요.

L: 이번 전시의 콘셉트는 무엇인가요. 전시 제목인 <Ten Thousand Eyes (만 개의 눈)>은 어떤 것에 주안점을 두었는지 설명 부탁드립니다.

F: 전시의 제목은 초기 아이디어에서 나왔습니다. 저는 아이디어를 믿습니다. 아이디어에 집중하면, 그 아이디어에서 우리가 표현하는 데 필요한 모든 것이 나올 수 있다고 생각합니다. ‘만 개의 눈’은 무한함과 인간다움을 다루는 방식이고, 이 두 개념을 하나의 제목으로 담아내려고 했습니다.

L: 당신의 회화는 유연하고 유동적으로 보입니다. 한편으로 새, 인물의 옆얼굴 등 반복적인 요소가 자주 등장하는데 그 이유가 무엇인가요?

F: 저는 이미지 속의 반복을 좋아합니다. 인생은 반복과 균형이라고 생각합니다.

L: 미국의 힙합 가수 투팍과 싱어송라이터 밥 딜런, 영화감독인 압바스 키아로스타미와 라이너 베르너 파스빈더, 13세기 페르시아 시인 루미와 스웨덴 시인 군나르 에켈뢰프 등, 당신은 영화, 문학, 음악, 미술, 정치, 역사, 철학 등 경계를 넘나들며 여러 방면에서 흥미를 느끼고 영감을 받는 것으로 알려져 있습니다. 당신에게 영감을 주는 것들의 공통점이 있다면 무엇이라고 생각하나요? 아니면 그러한 공통점을 찾는 것을 거부하고 위계질서 없이 많은 것으로부터 영향을 받고 이에 대해 반응하고자 하는지요?

F: 후자에 가깝다고 할 수 있겠네요. 저는 제 삶의 바깥에서 오는 다양한 자극으로부터 많은 영향을 받습니다. 제 작업은 주변 환경과 경험에 반응하는 방식인 것 같습니다.

L: 당신의 작업에서 정치적이고 실천적인 면모는 무엇이라고 생각하나요?

F: 제게는 정치적인 면이랄 게 없습니다. 제 그림 역시 정치적인 면이 전혀 없고요. 하지만 일단 그림이 완성되고 나면 제 손을 떠나 작품 자체로서 생명력을 갖게 되고, 그러면 많은 것이 보는 사람의 눈에 따라 달라집니다. 저는 이미지를 만들려고 노력하고, 그것을 어떻게 그림으로 발전시킬지에 몰두합니다. 잘은 모르지만 아마 문학가나 음악가가 하듯이, 저는 시각 언어를 통해 주변 상황에 반응하는 것이라 생각합니다.

L: 회화뿐 아니라 스크린판화, 조각, 설치 등 다양한 매체로 작업하시는데요. 이것은 회화의 확장된 버전인지, 매체별 특성에 관심이 있는 것인지 궁금합니다. 영화를 무척 좋아하신다고 알고 있는데요. 향후 영상이나 영화를 만들 생각도 있으신가요?

F: “말이 아니라 행동이 당신을 드러낸다” 라는 말이 있지요. 저는 제가 아니라 저의 작업 자체가 스스로 말하기를 원합니다. 그래서 저는 제가 앞으로 무엇을 할지 생각하는 것에 너무 집중하지는 않으려고 합니다. 하지만, 기억나는 가장 어린 시절부터 저는 항상 영화 제작, 감독, 사진가, 미술감독 등 영화의 시각적인 측면과 관련된 일을 하고 싶었던 게 사실입니다. 아직도 영화를 무척 좋아합니다.

L: 회화는 다른 매체보다도 몸이 직접적으로 반응하는 감각적인 작업인데요. 이를 위해 수행성이 중요합니다. 작업을 할 때 루틴이 있는지요.

F: 저는 작업할 때 루틴을 피하는 것을 좋아합니다. 삶 자체가 반복이기 때문에 저에게 작업은 반복되는 루틴으로 들어가는 ‘새로운 문을 찾는 것’입니다.

L: 2018년부터 해마다, 한 해에도 몇 번의 개인전을 통해 신작을 발표하시는데요. 왕성한 활동의 원동력은 무엇인가요?

F: 저는 그림 그리기를 좋아할 뿐, 다작하는 작가라고 생각하지 않습니다. 지속해서 작업하거나 계속해서 집중하는 수행성의 문제인 거죠.

L: 당신은 혜성처럼 나타나 단시간에 세계적인 주목을 받은 것으로 종종 평가되는데 이에 대해 어떻게 생각하시나요?

F: 잘 모르겠습니다. 일부 기자들이 그렇게 썼을 뿐입니다. 단시간이라는게 무슨 뜻일까요? 저는 올해로 마흔인데 40년이 짧다면 아마 맞는 말이겠죠.

L: 앞으로의 계획은 무엇인가요?

F: 살아서 가족과 주변 사람들을 잘 보살피고, 더 많은 그림을 그리는 것입니다.

* * *

인터뷰는 예술가가 대중에게 다가가는 통로로서 자신의 작업 세계를 드러내는 또 다른 방식이다. 인터뷰에 반응하는 태도에 따라 예술가를 크게 두 가지 유형으로 나누자면 자신의 작업에 대해 풍부한 설명을 제공하는 유형과 성실하지만 여백이 많은 답을 들려주는 유형이 있다. 이번 인터뷰를 통해 확인할 수 있듯이 파샤드 파르잔키아는 후자에 속한다. 그는 자신의 말조차 하나의 의미로 규정되거나 작품을 감상하는데 방해물이 되는 것을 경계한다. 작가가 작품을 친절하게 말로 풀어내는 것보다 감상자가 작품을 직접 마주할 때 느끼는 생생한 감각이야 말로 그가 표현하고 싶은 모든 것이기 때문이다. 그의 작업과 인터뷰는 고정된 관념과 틀에 저항한다는 점에서 일관된 모습을 보인다.

이란 출신으로 국제적으로 활발한 행보를 보이는 작가 파샤드 파르잔키아는 다양한 문화적 경험을 가로지르면서 자신만의 표현을 탐구한다. 그는 이미지가 정지된 형태가 아니라 변화하는 관계 속에서 움직이길 바란다. 반복적으로 등장하는 새, 옆얼굴과 같은 모티프도 작가가 처음부터 특별한 의미를 부여한 것이 아니라 끊임없이 재배치되면서 변화를 예고한다. 그의 작업은 미완의 상태로 보이는데 이러한 형식은 그림을 감상하는 사람들이 각자의 상상력으로 남겨진 공간에 무언가를 채울 수 있도록 이끈다. 그가 추구하는 것은 우리가 무언가를 손쉽게 인식하고 이해하기 위해 만들어 놓은 경계를 넘나드는 강렬한 에너지이자 자유분방한 생명력이다. 여러 레퍼런스를 참고하는 그의 작업은 다양한 문화의 긴장 관계 속에서 하나의 독립된 이미지로 존재한다. 이번 전시에 출품된 신작은 다양한 존재의 가치를 긍정하며 생명의 존엄함을 일깨우는 그의 삶의 태도를 집약적으로 보여준다.

그는 회화뿐 아니라 판화, 조각, 설치 등 다양한 매체를 다루며 열정적으로 작업을 쏟아내는데 나는 그 원동력이 궁금했다. 그의 답변에 비춰볼 때 작품은 결과물일 뿐 작업의 본질은 하나의 ‘행위’에 가까워 보인다. 자신이 만들어낸 이미지조차 불변의 것이 아님을 증명하기 위해 끊임없이 새로운 이미지를 만들어내는 실천적 행위 말이다. 그렇다면 이미지를 대량으로 소비하는 현실에서 그가 제시하는 예술의 가능성은 무엇일까? 우리는 타자를 하나의 완결된 이미지로 포착하지만 모든 것은 끊임없이 움직이고 분열한다. 모든 관계는 상호 의존적이며 유동적이다. 결국 자신의 인식 안에 다른 존재를 제한하지 않고 항상 새롭게 바라보는 유연한 태도야 말로 그가 작업을 통해 강조하는 것이 아닐까?

L: You majored in design and worked for a long time as a graphic designer making album jackets and film posters. Did your father’s influence play a role in your becoming a graphic designer? What led you to quit your job and pursue artistic work full-time?

F: Yes, I think that my father influenced me and opened my eyes on graphic design and art in general. He was my teacher and mentor from a very young age. My parents had a great interest in cinema also, and I was introduced to a lot of images through them. They used to take me to the cinema when I was 4-5 years old. My parents put me in art class when I started first grade in Tehran, and I was very fond of it, so I pursued the path. Nothing led me to quit my job, it happened very naturally once I focused more on painting and pursued it.

L: As someone born in Iran who grew up in Denmark, it seems like you would have experienced some major confusion with regard to identity. Being Farsi is an important part of your identity, but it also feels like just one of many different sources. Did these dichotomies and complexities in identity serve as a basis for developing a greater respect for diverse values? How do you view your own identity?

F: It’s a very interesting question. I don’t think that I can answer it fully, cause obviously Identity as a concept is a very complicated thing. Generally speaking, I think that we all deal with issues of identity through life.

I guess you could easily say that you’re more likely to be facing obstacles in life depending on where you live and how you look.

L: What is the concept behind this exhibition? Could you talk a bit about what your focus was? I’m also curious what you had in mind with the exhibition title.

F: The title of the show came out of the initial idea. I believe in ideas, and I think that if you focus on the idea, then it will give you everything you need to manifest the idea. Ten thousand eyes is a way of dealing with infinity and humanity, and trying to put the two things together in a title.

L: Your painting appears flexible and fluid. It also often features repeated elements, such as birds and people in profile. Could you talk about the reasons for that?

F: I like repetition in images. I think that life is repetition and balance.

L: I’m aware that you draw inspiration from a very broad range of interests across genres such as film, literature, music, art, politics, history, and philosophy, with musicians such as Tupac and Bob Dylan, directors like Abbas Kiarostami and Rainer Werner Fassbinder, and poets like Rumi and Gunnar Ekelöf. What do you see these sources of inspiration as having in common? Or is it a case of being influenced by and reacting to everything without hierarchies and without necessarily looking for commonalities?

F: Maybe. Most of the influences has happened in my life as a thing hitting me from outside. My surroundings and I guess my work are a way for me to react to my surroundings and experiences.

L: What do you see as the political and praxis-oriented aspects of your work?

F: I don’t have a political aspect. And I don’t have any political aspects in my paintings. However, once the paintings finished it will somehow become a thing of itself, and then it’s pretty much up to the eyes of the viewer.

I’m trying to make images; I’m obsessed with the image making and how it develops into a painting. I don’t know but I think I’m reacting to the word around me through visual language, the same way that an author or musician reacts.

L: You work in a range of different media besides painting, including screen printing, sculpture, and installations. Do you view those as an extension of painting, or are you interested in the different characteristics of each medium? I’ve also heard that you are very interested in cinema. Do you have any thoughts of making your own film or video work in the future?

F: I love wood, and the fact that it’s a living material.

There’s a saying that goes like: You are what you do, not what you say you do. I like to let my work speak for itself, so I don’t want to get into what I’m thinking about doing in the future. However, as far back as I can remember, I always wanted to be part of movie making, director, photographer, art director or anything that had to do with the visual aspect of a movie. I still have a great love for cinema.

L: More than other media, painting is a very sensory endeavor, where the body is reacting in a direct way. Performativity is an important part of that. Could you talk about any routines you have for your artistic work?

F: I don’t have any routine; I like to avoid routines in my practice. Life is routines, and I think for me it’s about finding new doors to enter the same routines.

L: Since 2018, you have shown new work every year, sometimes with multiple solo exhibitions in a single year. What is the driving force that allows you to remain so prolific?

F: I like to paint, I guess that’s it. I don’t see myself as a prolific painter. I think it’s about persistence or putting yourself in a position where you can obtain some sort of a focus and discipline.

L: Since 2018, you’ve shown new work every year, sometimes with multiple solo exhibitions in a single year. What is the driving force that allows you to remain so prolific?

F: I don’t know. It’s what some journalists wrote about me. What is short time? I’m 40 years old and I guess if you consider 40 years to be a short time, then maybe it’s true.

L: What are your plans for the future?

F: Stay alive, take care of my family and people around me, and do more paintings.

* * *

As a channel for artists to engage the public, the interview offers a unique format for presenting an artistic vision. There are two types of artists depending on how they respond to interviews. The first offers rich explanations about their works, and the other provides sincere answers that leave a great deal unsaid. In this interview, Farshad Farzankia shows that he belongs to the second category. He is wary of things he says becoming defined through a single meaning or presenting an obstacle to the appreciation of his work. Rather than an accessible verbal explanation of his art, he seeks to express the vivid sensations viewers experience when they see his works. In both his process and interviews, he consistently opposes fixed ideas and frameworks.

Born in Iran, Farzankia is a vigorous artist active worldwide, cutting across cultural experiences in exploring his own form of expression. He wants his images to “move” within changing relationships rather than exist in static form. The recurring motifs in his works like birds and profile faces have no particular meaning from the outside; through their constant rearrangements, they herald change. Even as his works appear “incomplete,” these forms guide viewers of his paintings to fill the spaces left behind with their own imagination. His freewheeling vitality emits a powerful energy that crosses the borders people have drawn to understand things in simple terms. Drawing on multiple references, his works are independent images amid the tension of competing cultures. The new works presented in this exhibition encapsulate Farzankia’s approach to living, with their affirmation of the value of diversity and dignity of life.

Working in a wide range of media besides painting including prints, sculpture, and installation, the artist has a passion for his process burning within him, which leads to questions over what the driving force behind his drive is. Judging by his responses, an artwork is merely a result, its essence living more in the “action.” His action is a form of praxis that constantly creates new images to prove that even his own works are not immutable. So what potential does he share for art at a time of mass image consumption? People perceive the “other” as a complete image, but all things are constantly moving and splitting apart. All relationships are interdependent and fluid. Perhaps what Farzankia emphasizes in his works is a flexible stance of seeing other beings in constantly new ways rather than being confined to one’s personal perceptions.