“한 사물의 표피를 살펴보는 매우 간단한 방법이 하나 있다. 그것은 그 사물을 구성하고 있는 재료가 끝나고 외부 세계가 시작되는 지점이다.”- 에치오 만치니[1]
최강혁과 손상락은 에어백, 나일론, 폴리에스터, 스테인리스 경첩과 같은 산업 소재들로부터 심미적 가능성을 발견하여 새로운 조형을 추구하는 작가들이다. 두 사람은 패션 레이블을 함께 운영하는 디자이너 동료이기도 한데, 이들의 작품 활동은 패션 디자인을 위해서 직간접적으로 다루게 된 소재들의 심미적 가능성을 더 파고들게 되면서 시작되었다는 점에서 공통점이 있지만, 서로의 창작 영역을 간섭하지 않고, 각자 다루는 소재가 명확하게 구분되며, 최종적인 조형 역시 평면과 입체로 각각 구분된다는 점에서 작가로서의 활동은 개별적인 성격을 띤다. 이 글에서는 최강혁과 손상락 두 사람이 지니고 있는 산업소재의 표면에 대한 감수성을 추적해 보고, 공동 또는 개별이라는 이중적인 상호 관계를 유지하면서 각자 어떤 입장과 태도로서 창작에 임하고 있는지 살펴보고자 한다.
산업소재의 표면
최강혁과 손상락은 모두 20세기 이후에 개발되어 일상생활과 산업 전반에 중대한 영향을 끼친 소재들인 나일론이나 폴리에스터와 같은 합성섬유, 그리고 스테인리스 스틸과 같은 금속성 물질에 관심을 갖는다. 이 소재들은 자연 섬유나 기존의 합금의 한계점을 극복하기 위해서 개발되었기 때문에 기능적인 특징도 중요하다. 특히 사물의 표면을 이룰 때 이 소재들은 강한 내구성이나 내식성을 보이며 사물의 필수적인 기능을 수행하는 데, 예컨대 나일론의 등장은 가벼우면서도 부드럽지만 질기고 강한 섬유로 인류에게 의복 혁명을 일으켰다고 할 수 있을 만큼 중요했고 즉각적으로 일상용품인 스타킹에서부터 군수품인 낙하산까지 폭넓게 사용되었다. 스테인리스 스틸 역시 녹이 거의 슬지 않는 금속이기 때문에 주방용품에서부터 고도의 내식성을 요구하는 화공학적 장치에까지 다양하게 사용되기 시작했다. 이들 소재는 모두 20세기 전반 전기에너지 기반의 대량생산 능력을 갖추게 되었을 때 이뤄진 2차 산업혁명 시대의 산물이다. 그리고 이 대량생산 시대의 산물들이 시간을 겪은 후 낡고 바래진 상태, 특히 그 시간을 고스란히 드러내는 표면에 대해서 최강혁과 손상락은 낭만적인 감성을 발견하고 경외감을 표하는 것이다.
그렇다면 산업소재 표면에 낭만적인 감성을 느낀다는 것은 무엇일까? 1980년대 말 디자인 분야에서 산업디자인(industrial design)이 중요해지기 시작할 때 산업소재들의 발전으로 사물이 지니게 된 새로운 표면에 대해서 주목한 글을 쓴 디자이너가 있었다. 이태리 출신인 에치오 만치니(Ezio Manzini)인데 만치니는 오늘날 생산되는 물체들의 표면이 이전 시대와 다르게 새로운 기능, 즉 감각적 특성과 의미론적 특성을 가지고 있음을 주장하였다. 그는 “한때 세계는 거대하고 육중한 건축물이 공간을 메우는 형태들로 가득 찬 세계였기에 형태들의 진실이란 그것들의 구조, 작용, 재료의 고유한 특성이었고 표피는 피상성으로 치부되었지만, 새로운 환경에서 표면은 물체의 성격을 규정하는 데 있어서 더욱 독립적이고 중요한 역할을 수행하게 되었다” 라고 주장하였다. 만치니는 물체의 표면을 접촉면(inter-face)이라는 관점으로 바라보았는데, 표면이 사용자와 물체 간의 관계성을 결정지으며 따라서 사물의 표면이 하는 역할은 외부 세계와의 관계성으로 드러나는 것이라고 본 것이다. 또한 만치니는 “마무리된 생산품의 표면은 막대하게 축적되어 있는 문화적 재료에 기호(sign)와 참조(reference)를 투사시킬 일종의 스크린으로서 작용” 하는 것이라고 하였는데, 이 말은 표면의 자율적인 성격과 역동적 특성을 생각해야 함을 지적한 것이었다. 또 “한 물체의 마멸의 모든 신호를 보여주는 것은 표면이고, 또 많은 요소가 내부의 변질에 영향을 끼치게 하는 것도 표면”이라고 하면서 사물의 쇠퇴와 파괴의 과정, 즉 사물의 시간이 표면에 고스란히 드러남을 강조하였다.
표면의 가능성
폐기 처리되는 에어백에는 순수한 원단과 달리 각종 표식, 로고, 바코드, 문구, 그리고 붉은 색실의 선명한 바느질 선이 고스란히 남아 있다. 이러한 시각적 요소들은 제품의 목적과 기능에 부합하게끔 존재하는 것들인데 최강혁은 그 자체로부터 심미적 가능성을 파악하였다. 즉, 대량 생산 공정, 자동차 산업, 제품 디자인과 같은 에어백을 둘러싼 사회, 경제, 문화적 요소들이 사물의 표면 그 자체로부터 드러나고 있었다. 그런데 이들을 다루는 방식에 있어서 작가는 사물의 구조와 패턴을 본래의 기능적 맥락으로부터 분리하고 조형적 관점에서 재검토하고자 하였다. 최강혁에게 조형 작업은 비즈니스 감각을 유지해야 하는 패션 디자인과 달리 좀 더 개인적인 이야기를 풀어내는 기회이기도 하기 때문에 작가는 자신의 감성이 향하는 호기심에 의해 소재가 지닌 조형적 가능성을 탐구하고자 하였다. 예를 들어 이번에 새롭게 선보인 <VENT> 시리즈에서 최강혁은 이베이에서 수집한 빈티지 낙하산을 이용해 작업한 것이다. 그가 이용한 낙하산 천은 기능적인 형태를 유지하기 위해서 기공(vent)이 있고 이를 중심으로 방사형으로 퍼지는 패턴의 디자인인데 작가는 이 패턴이 지닌 조형성은 살리되 본래 낙하산 기능에 부합하도록 고안된 대칭 형태는 소거해버렸다. 그리고 낙하산 원단에서 추출한 조형요소들을 에어백 원단으로 본을 따고 이어 붙인 후 열전사 기법으로 패턴을 입히고 재구성하여 최종적으로는 평면적인 조형으로 탄생시켰다. 작가는 열전사 시 사용하는 염료 필름으로 원단 표면에 시간성을 부여할 수 있었는데, 염료가 입혀진 필름을 구겼다 펴고 겹치기도 하면서 패브릭에 전사하여 주름을 형성하고 바랜 듯하게 물들였다. 이는 대량생산 시대의 산물들이 시간을 겪은 후 낡고 바래진 상태, 특히 그 시간을 고스란히 드러내는 표면에 대해 최강혁이 경외감을 표하는 방식이다.
한편, 손상락은 표면을 사물의 구조가 외부로 드러나 보이는 것이라고 생각한다. 그는 스테인리스 스틸 소재의 공업용 경첩, 나사, 스프링과 같은 부품을 사용하여 입체 조형물을 만드는데, 이 부품들을 연결, 조립하여 만들어진 조형물은 가장 안쪽부터 가장 바깥쪽까지 모두가 연결된 하나의 덩어리이지만, 작가는 차가운 금속성 부품들로 부드러운 동물의 몸통 곡선을 형성하고, 쭈뼛쭈뼛 곤두선 털을 묘사하고, 다리의 관절과 근육을 나타내면서 이렇게 가장 외부와 닿아 있는 지점들이야말로 사물의 구조가 외부로 드러나 보이는 것이라고 말한다. 이러한 생각은 표면이 물체의 재료가 끝나고 주변 환경이 시작되는 지점들의 위치라고 말한 에치오 만치니와 바로 연결된다. 두 사람은 모두 물질과 시공간은 맞닿아 있다고 보는 것이고 그 접촉면의 가능성에 주목하는 것이다. 손상락의 조각은 작가가 유닛으로 사용하는 공업용 경첩이나 볼트와 너트가 결합되면서 공간으로 뻗어나가는데, 유닛과 유닛이 연결되는 매 순간마다 작가의 손끝은 새로운 무게중심을 찾아나가면서 공간 속에서 지탱할 수 있는 생명체의 탄생으로 나아간다. 설계도 없이 오직 작가의 손끝이 찾아내는 균형 감각으로만 완성되는 이 조각들은 조립 과정에서 발생하는 예측 불가능한 변수들 때문에 똑같은 형태를 반복해서 재현하는 일이 불가능에 가깝다 할 것이므로 그 자체로 유니크할 수밖에 없다. 작가는 이러한 입체 조형을 만드는 일을 자신의 사고와 영역을 확장한다는 생각으로 접근하는데, 고된 노동집약형의 작업이지만 자신만이 할 수 있는 일이기에 자유도가 높다는 점에서 한계보다는 가능성을 의식한다. 그렇기에 손상락은 “규칙이 없다는 점이 새롭게 해준다”라고 말한다.
요컨대, 최강혁과 손상락의 작업은 산업 기술과 디자인의 역사라는 큰 맥락에서 심미적 가능성을 추구하는 조형 작업을 하고 있다는 점에서 중요하다. 빌렘 플루서(Vilém Flusser)는 “세상을 변화시키려면 그것이 어떤 상태인지, 어떠해야 하는지, 그리고 그것을 어떻게 변화시킬 수 있는지를 알아야 한다”라고 말했다.[2] 플루서의 말에서 ‘그것’이라는 지시대명사를 사물, 물체, 물질, 산업소재로 치환하여 본다면, 우리는 끊임없이 우리가 다루는 사물, 물체, 소재들을, 그것의 상태와 목적을 알고 또 변화 가능성을 추구하며 그렇게 역사는 만들어진다. 산업혁명의 역사가, 그리고 디자인의 역사가 이를 증명해 왔다. 그 역사의 맨 끝에서 이후의 역사를 이어나가고자 하는 최강혁과 손상락은 ‘인공, 소재, 균형’을 브랜드 모토로 표명하며 작업하는 것이다. 이들의 모토를 산업 기술이 이끌어온 역사를 경외하고, 소재의 심미성을 탐구하면서, 동시에 현재라는 순간에서 개인의 균형 감각을 잃지 않을 것이라고 풀어본다면, 이 모토는 두 사람에게 디자인 프런티어로서 정체성을 부여해 주면서, 한편으로는 브랜드 모토 이상으로 인류가 기술과 디자인을 통해 세상을 변화시켜온 역사를 반영하는 것이다. 세상에 실존하는 사물을 만들어야 하는 숙명을 갖고 있는 최강혁과 손상락에게 사물을 응시하고 변화시키고자 할 때 이 모토는 중요한 기준점으로 작용할 것이고, 두 사람의 조형 작업, 전시의 구분 없이 본질적으로 추구될 것이다.
[1] 에치오 만치니, “물체와 표피”, 신수길 역, 「산업디자인 102」(1989, vol. 20), 한국디자인포장센터, pp. 29-30.
[2] 안규철, “세상을 변화시키려면 – 빌렘 플루서의 『사물의 상태에 관하여』”, 대산문화재단 웹진, https://daesan.org/webzine/sub.html?uid=979&ho=24.
“There is a very simple way to look at the skin of an object. It is the point at which the material that constitutes an object ends and the external world begins.” – Ezio Manzini[1]
Kanghyuk Choi and Sanglak Shon discover aesthetic possibilities in industrial materials such as airbags, nylon, polyester, and stainless-steel hinges to pursue new forms. The two artists are also designer colleagues who run a fashion label together, and their creative work began with the investigation of the aesthetic possibilities of materials, both directly and indirectly related to fashion design. While they share a common ground in this aspect, their work as artists is of a difference nature – they do not interfere with each other’s creative fields, the materials they individually deal with are clearly distinguished, and their final artistic expressions are also separated into two-and three-dimensional work. This essay will trace the sensibility toward industrial materials of Kanghyuk Choi and Sanglak Shon, and examine how each of the artists approaches their creative endeavors with their own position and attitude while maintaining an ambivalent relationship with each other, both as a collective and individuals.
Surfaces of Industrial Materials
Kanghyuk Choi and Sanglak Shon are both interested in synthetic fibers such as nylon and polyester, which were developed after the 20th century and have had a significant impact on daily life and industry at large, and metallic materials such as stainless steel. Since these materials were developed to overcome the limitations of natural fibers or conventional alloys, their functional features are important. These materials exhibit strong durability or corrosion resistance and are used to perform essential functions especially when used to form the surface of an object. For example, the introduction of nylon—a lightweight, soft, yet tough, and strong fiber—was so significant that it could be said to have revolutionized clothing for humankind. It was immediately applied to a wide range of objects from everyday commodities like stockings to military supplies like parachutes. Since stainless steel is also a rust-resistant metal, it has been applied to an array of objects with diverse purposes, from kitchen appliances to chemical devices that require high levels of corrosion resistance. All these materials are products of the Second Industrial Revolution, which took place in the first half of the 20th century when humans achieved the capacity for mass production based on electric energy. Regarding the worn and faded state that the products of this era of mass production have taken on over time—especially the surface that shows the passage of that time, Kanghyuk Choi and Sanglak Shon discover a romantic sensibility and express awe and respect toward it.
So, what does it mean to feel a romantic sensibility on the surface of industrial materials? At the end of the 1980s, when industrial design began to gain importance in the field of design, one designer drew attention to the new surfaces that objects had acquired due to the development of industrial materials. Italian designer Ezio Manzini argued that the surfaces of objects produced today have new functions, sensory and semantic, unlike those of previous eras. He argued, “The world was once a world full of forms filled with huge, massive structures filling the space, so the truth of the forms was the inherent property of their structure, action, and materials, and the skin was dismissed as superficial. But in the new environment, the surface became more independent, and it came to play a more important role in defining the character of objects.” Manzini considered the surface of an object from the perspective of an inter-face. He believed that the surface determines the relationship between the user and the object, and the role of an object’s surface is thus to reveal its relationship to the outside world. Manzini also said, “The surface of the finished product acts as a kind of screen on which to project signs and references onto the enormous accumulation of cultural materials,” indicating that the autonomous and dynamic nature of the surface must be taken into consideration. In addition, he mentioned that “it is the surface that shows all the signs of an object’s abrasion, and it is the surface that causes many elements to affect its internal deterioration” with an emphasis that the process of decay and destruction of things—the time experienced by the object—is entirely exposed on the surface.
Possibilities of the Surface
Unlike regular fabric, discarded airbags have signs, logos, barcodes, and slogans, along with clear marks of stitching in red thread. These visual elements exist in line with the purpose and function of the product, and Kanghyuk Choi recognized the aesthetic possibilities in these elements. In other words, Choi recognized that the social, economic, and cultural factors surrounding airbags—such as mass production processes, the automotive industry, and product design—were revealed from the surface of the object itself. In dealing with these elements, however, the artist sought to separate the structure and pattern of the object from its original functional context and reexamine them from a formative perspective. For Choi, artistic practice is also an opportunity to unfold a more personal investigation, unlike his fashion design practice that requires a consistent sense of business. Thus, the artist focused on exploring the formative possibilities of the material with the curiosity of his own sensibility. For instance, in his new series titled VENT, Choi worked with vintage parachutes he collected on eBay. The fabric he used is designed with a pattern that has vents and radiates around them to maintain a functional form. Choi maintained the formative qualities of the pattern, but he eliminated the symmetrical structure that was originally designed to serve the function of a parachute. He then extracted the formative elements from the parachute fabric onto the airbag fabric and stitched them together, applying and reconstructing a pattern using thermal printing to create a two-dimensional form. Using the dye film used for thermal transfer, the artist was able to endow a sense of temporality to the surface of the fabric. He crumpled, stretched, and overlapped the dye film while transferring it onto the fabric, forming wrinkles and patterns in faded hues. This is how Choi appreciates the old and faded state of the products from the era of mass production after going through time, especially the surfaces that reveal the passage of time.
On the other hand, Sanglak Shon considers the surface as a visual exposure of an object’s structure to the outside. He uses mechanical parts such as industrial hinges, screws, and springs made of stainless steel to create three-dimensional sculptures. While they are created by connecting and assembling the mechanical parts into a single mass from its innermost to outermost areas, the artist says that it is at these most external points that the structure of the objects is visible to the outside world by using cold, metallic mechanical part to build the curves of a soft animal’s body, depicting its bristly fur, and expressing the joints and muscles of its legs. Such an idea has an immediate connection to Ezio Manzini, who described the surface as the point at which the material of an object ends, and the surrounding environment begins. Both Shon and Manzini consider that matter and spacetime are intersecting and pay attention to the potential of the inter-face between them. Sanglak Shon’s sculptures extend into space as the industrial hinges, nuts, and bolts he uses as units are joined together. At each and every moment of the connection between units, his fingertips discover a new center of gravity and advance toward the birth of a creature that can sustain itself in space. These sculptural pieces, completed without any plans but with a sense of balance discovered by the artist’s fingertips, are unique in their own right—the unpredictable variables that occur during the assembly process make it almost impossible to reproduce the same shape again. The artist approaches the production of these three-dimensional sculptures with the idea of expanding his own thinking and creative scope. Since these works are his unique creations although they are an outcome of a labor-intensive process, he acknowledges possibilities than limitations in that he has a high degree of freedom. This is why Shon says, “The fact that there are no rules makes it new.”
In a word, the works of Kanghyuk Choi and Sanglak Shon are significant because they explore aesthetic possibilities within the larger context of the history of industrial technology and design. Vilém Flusser once said, “If one wants to change the world, he has to understand its state, how it should be, and how one can change it.”[2] If the referent ‘it’ in Flusser’s words is to be substituted with a thing, object, substance, or industrial material, we constantly seek to know the things, objects, and materials we deal with, their state and purpose, and their potential for change—that’s how history is made. The history of the Industrial Revolution and the history of design have proved this. With an aim to continue theses histories from the very end, Kanghyuk Choi and Sanglak Shon work the brand motto of ‘artificial, material, and balance.’ If their motto is to revere the history of industrial technology, explore the aesthetics of materials, and maintain a sense of personal balance in the present moment, it is a motto that does not only endow them an identity as design frontiers: it is more than a brand motto—it’s a reflection of the history of how humans have changed the world through technology and design. In their pursuit to observe and transform the existing objects in the world, Kanghyuk Choi and Sanglak Shon, who carry on a destined mission to create tangible entities, this motto will serve as a crucial reference point. It will be inherently pursued in their artistic practices and exhibitions, transcending the boundaries.
[1] Ezio Manzini, “Objects and Their Skin”, trans. Su-gil Shin, Industrial Design 102 (1989, vol. 20), Korea Design and Packaging Center, pp. 29-30.
[2] Kyuchul Ahn, “To Change the World – Vilém Flusser’s On the State of Things,” Daesan Cultural Foundation Webzine, https://daesan.org/webzine/sub.html?uid=979&ho=24.