8 APRIL 2022 - 5 JUNE 2022

PLAYTHINGS

8 APRIL 2022 - 5 JUNE 2022

동시대 미술의 가능성을 확장시키는 젊은 작가들의 실험적이고 도전적인 작업을 소개해 온 바이파운드리는 2022년 첫 전시로 런던을 기반으로 활동하는 한국 작가 서신욱의 국내 최초 개인전 《PLAYTHINGS》를 개최했다. 서신욱은 억압적인 사회 구조와 이데올로기의 작동 방식, 그 속에서 살아가고 있는 인간의 무력한 모습을 풍자적인 키네틱 조각으로 탐구한다.

이번 전시에서는 두 점의 신작 <Six Feet Under (Durability Test #6)>(2022)와<The Fabulous Life #2>(2022)를 소개했다. <Six Feet Under (Durability Test #6)>는 주체성을 상실하고 한낱 기능하는 부품으로 전락한 인간의 위상을 마치 내구도 테스트를 당하는 공산품처럼 표현한다. <The Fabulous Life #2>는 생체 정보를 포함한 각종 개인 정보를 실시간으로 수집하고 이를 통해 개인의 취향과 행동 양식을 지배하는 디지털 문명과 다국적 자본에게 포섭된 현대인의 모습을 아케이드 게임처럼 형상화한다.

서신욱은 완고한 구조 아래에서 개별적 의미나 서사 없이 장난감처럼 아무렇게나 사용되다가 손쉽게 대체되는 인간의 비극적 운명은 미래에도 결코 바뀌지 않을 것이라고 단언한다. 실제로 현대 체제는 산업 혁명에서 디지털 혁명으로, 포드주의에서 생명정치로, 컨베이어 벨트에서 스마트 워치로, 점점 더 교묘하고 은밀하게 진화하며 예속을 심화하고 있다. 역설적이게도, 어두운 시대일 수록 어설픈 낙관주의보다는 현실을 냉정하게 직시하는 회의주의적 태도가 훨씬 강력한 힘을 발휘한다. 끝없이 비틀리는 축 늘어진 실리콘 형상들과 일그러진 신체 파편들 사이로 이리저리 휩쓸려 다니는 쇠구슬들이 남기는 여운은, 예리하고 냉철한 시각으로 이어나갈 서신욱의 블랙 코미디를 더욱 기대하게 만든다.

BYFOUNDRY, a new platform by FOUNDRY SEOUL which focuses on emerging artists setting new standards in contemporary art with their original ideas and experimental media, presented London-based Korean artist Shinuk Suh and his first solo exhibition in Korea, PLAYTHINGS, as its first exhibition of 2022. Through his satirical kinetic sculptures, the artist investigates and displays oppressive social structures and ideologies and the individuals within the forceful systems.

The exhibition featured two new works – Six Feet Under (Durability Test #6) (2022) and The Fabulous Life #2 (2022). Six Feet Under (Durability Test #6) metaphorically expresses the miserable status of humans who lost subjectivity and diminished to mere functional parts, as if they were the products undergoing the durability tests. The Fabulous Life #2, which is in the shape of a pinball machine, describes humans surrounded by digital technology and multinational capital which manipulates behaviors and tastes of their contemporaries by extensively collecting real-time personal data.

The artist insists that the tragic fate of humans being treated as mere playthings, devoid of individualities, and only to be eventually replaced will continue. In fact, the oppressive system keeps transforming from industrial revolution to digital revolution, Fordism to Biopolitics, and conveyor belt to Apple Watch, intensifying the enslavement in more cunning, silent ways. Ironically, in dark times, pragmatic skepticism plays more effectively than blind optimism. The dreary landscape of lifeless silicon figures which are repeatedly twisted by metal sticks and iron marbles which are swaying here and there among distorted human body parts arouses expectations of the eccentric black comedies that the artist will continue creating through his acute, novel perspective.

artist

Shinuk Suh

publication

installation view

text

서신욱 - 인간성의 메커니즘 Shinuk Suh - Humanity Mechanics

스테이시 맥코믹 Stacie McCormick

Unit 1 갤러리 | 워크샵의 창립자 겸 대표 Director and Founder, artist-led Unit 1 Gallery | Workshop

서신욱의 작업을 처음 접한 계기는 2019년 런던의 슬레이드 미술대학 석사학위 청구전을 통해서였다. 그는 전시에서 대형 키네틱 설치 작업 <Made in South Korea (Ideological State of Apparatuses)>(2019)를 선보였다. 이데올로기적이고 사회학적인 개념을 무척 유쾌하고 전복적으로 제시하는 치밀하고 정교한 작업에 나는 즉각적으로 강렬한 인상을 받았다. 서신욱의 작업은 유머러스하면서 천진난만한 것 같은 색상과 재료, 형태를 통해 관람자를 자석처럼 끌어당겨 충분히 다가갈 수 있게 하고, 결국은 노동력의 단위로 취급되고 마는 인간이 겪는 부조리와 진부함, 위험, 비극적 운명을 파악하게 한다. 그의 작업을 바라보는 우리는 파스텔톤 실리콘으로 만들어진 코믹한 인물 형상들이 기계 장치에 의해 거듭 가격 당하는 모습에 웃지만, 머리 없는 이 형상들이 벗어날 수 없는 반복의 고리에 갇혀 있다는 것을, 노동력으로 치환된 삶의 비극이 드러났다는 것을 곧 깨닫게 된다.

나는 런던에서 다양한 신진, 중견 동시대 미술가들에게 작업을 전개할 시간과 공간을 제공하는 독특한 전시와 레지던시 공간인 유닛원 갤러리 워크숍을 이끌고 있다. 이런 공간을 운영하는 디렉터의 입장에서 볼 때, 솔로 레지던시 프로그램에 참여하려는 서신욱의 지원서는 흥미진진했다. 서신욱의 레지던시 기간은 규모에서만 아니라 개념적인 면에서도 매우 야심찬 시간이었으며, 그 결과 장엄한 설치 작업 <Man(u)fractured>(2019)가 탄생했다. 매일 작업에 임하면서 그의 창작 과정, 경이로운 근면성, 작업 창작을 목격하는 건 굉장히 보람된 일이기도 했다. <Man(u)fractured>는 공장의 모습을 희극적 형태로 설치하여 인간이 체제의 노예가 되어가는 모습을 묘사한 작품으로, 전시 공간을 휘어잡았다.

프랑스 철학자 시몬 베유는 1934년에 고통받는 노동자들의 곤궁한 처지를 살피는 연구에 몰두했다. 당시 스물 넷이었던 시몬 베유는 신분을 감추고 자동차 공장에서 일하려고 일 년 동안 학교에서 가르치는 일을 멈췄다. 로버트 자레츠키는 그녀의 경험을 이렇게 요약했다. “공장을 떠난 이후 작업복을 입은 채 동요하던 그녀는 노예 상태가 곧 인간이 거의 보편적으로 처한 상황이라고 여기게 되었다. 그녀는 다음과 같이 주장했다. ‘인류의 역사는 억압자와 피억압자 모두를 인간이 스스로 만든 지배 도구의 노리개로 만드는 예속의 역사일 뿐이다.’”^[1] 서신욱은 인간과 그들이 만들어낸 것들이 맺는 관계를 독특한 시선으로 바라본다. 피할 수 없는 듯 갇혀 있고 우스꽝스럽게 종속된 모습 말이다. 여기에 대해 앙드레 브르통이 현명하게 조언한 바 있다. “정신은 그 어떤 어려움에 놓이더라도 부조리로부터 이상적 출구를 찾아낼 수 있다. 부조리에 대한 수용은 어른들이 어린이가 사는 신비한 영역으로 다시 들어갈 수 있게 해준다.”^[2] 이처럼 서신욱은 어른들이 처한 위험을 해석하려 아이와 같은 순수함을 활용한다. 신욱의 작업실에서는 빈티지 이미지들을 볼 수 있다. 테이크 아웃 햄버거로 식사를 즐기는 행복한 가족 옆에 영웅적인 모습의 카우보이가 나란히 서서 담배를 파는 부조리를 담은 이미지들이다. 이제 우리가 알고 있는 것을 감안해서 보면, 이런 이미지들은 임박한 파국을 암시한다. 서신욱의 작업이 담고 있는 어휘의 일부도 이렇게 초현실적인 것들을 나란히 놓는 식으로 이뤄져 있다.

서신욱의 조각 작업을 보는 일은 또 다른 현실을 목격하는 일과도 같다. 익숙한 것이 부조리로 변하고, 인간의 조건이 노출되며, 통념과 관습은 재검토된다. 그의 작업은 경험하고, 주변을 걷고, 작업 내부를 밟고 지나도록 설계되어 있다. 작업들은 스스로 움직이고, 소리를 내며, 몸을 떨고 꿈틀댄다. 작동하기도 하고, 작동하지 않기도 하는 셈이다. <Man(u)fractured>는 기념비적 규모를 띠면서도 쉽게 다가갈 수 있는 작업이었다. 손쉽게 알아볼 수 있는 공장 현장과 닮은 모습에서 친숙한 형태를 감지하기 때문이었다. 서신욱 조각 작업은 인류가 처한 동시대적 상황을 끊임없이 성찰한다. 작업 속에 등장하는 부드러운 실리콘이나 거친 금속, 아이가 만든 것 같은 형상, 비극적 코미디는 우리 시대를 반영한다. 인간이라는 존재가 기계와 디지털에 의해 지속적으로 전복되며, 해방을 위해 창안한 것들이 폭정을 강화하기만 하는 시대 말이다. 서신욱은 변변찮고 취약한 우리의 존재를 잠재적으로 위험에 빠뜨리고 역행하는 체제에 동조한다는 것에 관해 깊이 생각해보도록 우리를 이끈다.

서신욱의 작업실은 예술가의 작업실에 대한 낭만적 이상보다는 기계 작업장이나 공구상에 더 가까운 장소다. 그는 컨베이어 벨트, 살수 시스템용 모터, 컬러 아크릴 시트와 자신의 탁월한 3D 프린팅 실력에서 잠재력을 발견한다. 안드로이드, 복제된 인간 존재는 이것을 통해 해체되고, 체제에 복무하는 반복적 일상으로 녹아든다. 그는 위험을 나타내는 보편적 표의 문자라 할 수 있는 소셜 미디어상의 상징들을 작업에 도입하여 기계 시대에 배신당하고 만 완벽한 인간상을 그리는 고전적 묘사로 녹여낸다. 신체 부위들은 분리되고, 쪼개지고, 소생되어 특정한 기능을 수행하는 협력체로 변화한다. 이런 식으로 조작된 인간들로 이뤄진 세계엔 개인이 설 자리가 없다. 이렇게 서신욱은 어느 정도는 인류학자 같고, 다소 사회학자같기도 하며, 어떤 면에서는 인형 조종사와 같고, 얼마 만큼은 코미디언과 같다. 이런 성격이 결합되어 그의 작업을 보는 이들에게 우리가 살아가는 모순적 상황을 반영하는 다층적 경험을 제공한다.

그의 작업에 담긴 철학적, 사회학적 관찰은 보다 오래된 지혜와 경험으로 느껴지는 것들로부터 유래한다. 한편, 아이와 같이 서로 다른 것들을 연결하는 모습은 균형과 대응을 위해 남겨둔 순진무구한 장소에서 오는 것이다. 여기에서 희극적이면서 비극적인 모티프는 끝없이 반복되며 순환한다. 이는 서신욱이 앞으로 만들어갈 작업에 인간이 처한 동시대의 상황과 더불어 광범위한 영역을 안겨줄 것이다. 여기서 케츠 드 브리스의 견해를 빌려본다. “정신분석학적 관점에서 볼 때, 피고용인은 현실 원칙이 지배하는 세계에서 일하기 위해 어린 시절의 쾌락과 자유를 포기해야만 한다. 쾌락 원칙을 승화하고 억압하는 것은 피고용인이 기꺼이 자신의 만족을 지연시키지 않는 이상 많은 문제를 야기한다. 전문가들에 따르면 노동자가 이런 일을 할 수 없다면 일에 대한 회피가 일어나게 될 것이다.”^[3] 어쩌면 예술가로서의 삶을 선택하는 것이야말로 일이라는 것을 회피하는 가장 좋은 방법일지도 모르겠다.

하지만 서신욱이 하는 것이 바로 일이다. 그는 엄청난 노동을 수행하며, 동시대의 인류가 처한 상황을 주제로 탐구하기 위해 다양한 매체를 넘나드는 실험에 자신을 바치고 있다. 종종 암울하고 만화적인 지점에서부터 시작되는 서신욱의 영상 작업에서는 현실과 사물이 화면 안팎에서 서로 근접한 것으로 묘사되어 우리가 처한 현실에 끊임없이 질문을 던진다 .이러한 작업에서는 인간의 지각 작용이 흐릿해진다. 그의 작업에는 확실히 정신없이 흩어진 과학상자 같은 느낌이 존재한다. 혹은 아이들의 장난감들이 성숙한 형태로 현현한 것 같은 감각이 존재한다. 아니면 이 장난감들이 우리가 공장에서 맡을 일자리를 위해 우리를 준비시키고 있었던 건 아닐까? 서신욱의 제스처에서는 명확한 유쾌함이 보인다. 그의 작업에 쓰인 색상과 소재는 산업적인 것과 아무런 해를 끼치지 않는 것들을 결합해낸다. 이런 모습에서는 왠지 모르게 런던의 테이트 브리튼에서 본 마이크 넬슨의 작업이 생각나기도 한다. 마이크 넬슨은 지나간 시대의 잔여물이자 기념비인 산업용 기계와 장비들을 전시장 안에 놓아두었다. 그러나 마이크 넬슨 작업에서 보이는 비극이란 어떤 식으로든 산업 시대 전반의 몰락과 종말에 연관되어 있다. 서신욱의 조각 작업은 본질적으로 지금이라는 시점에 관한 것이며, 눈에 보이지 않는 체제의 운영을 위해 우리가 어떻게 디지털과 물리적인 것의 경계를 흐리게 만들고 있는지를 다룬다. 그는 임박하고도 현존하는 위험, 즉 컴퓨터화되어 어디에나 존재하는 체제의 권력에 대해 무지몽매하게 만드는 활동 안에서 우리가 살아가고 있으며, 어찌된 영문인지 우리가 그런 점에 눈을 감은 듯 위험을 인식하지 못한다고 여긴다. 나는 이쯤에서 신욱이 우리에게 “그래도 웃는 건 잊지 말라”고 일러줄 거라고 확신한다.

[1] 로버트 자레츠키, “Why One of France’s ‘Most Subversive’ Philosophers Chose to Work in a Factory”, ZÓCALO PUBLIC SQUARE, 2018.6.29, (https://www.zocalopublicsquare.org/2018/06/29/one-frances-subversive-philosophers-chose-work-factory/ideas/essay/)

[2] 앙드레 브르통, 『초현실주의 선언』, 1924

[3] The Free Library, 검색어: Industrial Psychology At Work, 최종검색 2022.2.24, (https://www.thefreelibrary.com/Industrial+Psychology+At+Work.-a074492880)

I was first introduced to the work of Shinuk Suh in 2019 on the occasion of his Slade School of Fine Art master’s degree exhibition, in which Shinuk presented a large kinetic installation, Made in South Korea (Ideological State of Apparatuses) (2019). I was immediately struck by the tightly sophisticated examination of ideological and sociological concepts that were so playfully and subversively presented. It is quite an achievement to magnetically draw the viewer to participate through deeply accessible uses of colour, material and shape that initially appear to be humorous and childlike, only for the viewer to eventually grasp the absurdity, banality, menace and tragedy of man as a unit of labour. Whilst we laugh at the comic figures in pastel silicon receiving a mechanical spanking, we soon realise that there are headless figures trapped in an inescapable loop and the doom of life transacted as labour is revealed.

As the director of Unit 1 Gallery | Workshop in London, an exhibition and residency space that is unique in supporting a diverse range of emerging and mid-career contemporary artists by providing them with space and time to develop their practices, to receive an application from Shinuk to participate in our Solo Residency programme was exciting. Shinuk’s residency time was remarkably ambitious in concept as well as scale, resulting in an epic exhibition installation – Man(u)fractured (2019). The privilege of working day-to-day and witnessing Shinuk’s process, phenomenal work ethic and production was extremely rewarding. Man(u)fractured commandeered the main gallery space, installing a comedy drama of a factory, depicting man’s enslavement to the system.

In 1934, the French philosopher Simone Weil dedicated her research to the plight of the suffering worker. At age 24, Weil took a year off from teaching in order to work incognito in an automobile factory. Robert Zaretsky outlined her experience: “Once she left the factory, a shaken woman in work clothes had come to see servitude as a near-universal condition. She observed: ‘Human history is simply the history of the servitude which makes men — oppressors and oppressed alike — the playthings of the instruments of domination they themselves have manufactured.’”[1] Shinuk is uniquely attuned to man’s relationship to its inventions; the seemingly inevitable entrapment and the farcicality of the subjection. As André Breton sagely advises: “The mind, placed before any kind of difficulty, can find an ideal outlet in the absurd. Accommodation to the absurd readmits adults to the mysterious realm inhabited by children.”[2] Likewise, Shinuk exploits childlike innocence to interpret adult menace. In Shinuk’s studio you will find vintage images: the absurdity of heroic cowboys selling cigarettes alongside happy families sitting down to eat takeaway burgers for dinner. Knowing what we know now, the impending doom is implicit. Surreal juxtapositions form part of the intrinsic vocabulary of Shinuk’s practice.

To view Shinuk’s sculptural creations is to witness another reality: the familiar becomes the absurd, the human condition is exposed and accepted customs are re-examined. Shinuk’s works are designed to be experienced, walked around and stepped through. They move, make sounds, shudder and wiggle. They work and they don’t work. The scale of Man(u)fractured was monumental, yet approachable, as we noticed the familiar comfort of the recognisable factory floor. The contemporary condition of mankind is constantly scrutinised in Shinuk’s sculptural practice. The soft silicon, harsh metal, childish figuration and tragic comedy are reflections of our time. Human existence is chronically subverted by the machine and the digital, with the inventions intended to liberate only providing further tyranny. Shinuk encourages us to contemplate our agreements with systems that are potentially endangering and working against our humble, vulnerable existence.

Shinuk’s studio is more of a mechanical workshop and an engineering emporium than a romantic ideal of an artist’s studio. Shinuk sees potential in conveyor belts, motors utilised for watering systems, sheets of coloured acrylic, and his mastery of 3D printing; the android and facsimile human are deconstructed and blended into a routine of repetition serving the system. Shinuk incorporates the symbols of social media — the universal ideograms for danger — and melts them into a classical portrayal of the perfect man betrayed by the machine age. Body parts are separated, exploded apart and re-animated into co-operative functionaries. There is no room for the individual in this world of manipulated humans. In this way, Shinuk is part anthropologist, part sociologist, part puppeteer and part comedian; the combined nature of which provides the viewer with a layered experience reflecting the contradictory conditions we inhabit.

The philosophical and sociological observations within Shinuk’s practice come from what feels like an older wisdom and experience, whilst the childlike associations are from an unadulterated place reserved for balancing and coping. The endless loop of comic tragic motifs continues ad infinitum. The arena, as well as the content within man’s contemporary condition, will provide a wide scope for future works by Shinuk. As Kets de Vries observed: “From a psychoanalytic point of view, the employee must give up the pleasures and freedom of childhood to work in a world governed by the reality principle. Sublimating and repressing the pleasure principle causes many problems unless the employee willingly delays gratification. If the worker can’t do this, say experts, work will be avoided.”[3] Perhaps, choosing the life of an artist is the best way to avoid work.

But work is what Shinuk does. He is a force of labour himself, committing to experimenting across multiple mediums in order to explore the subject of contemporary mankind’s condition. Perception is blurred in Shinuk’s video works, where screens depict reality and objects adjacent to each other — both on and off screen — constantly question our reality, often with a grim, cartoonish entry point. In Shinuk’s work, there is definitely a sense of a deranged Meccano / Erector Set. Or a mature incarnation of these juvenile toys. Or perhaps these were the toys preparing us for the factory jobs? The playfulness in Shinuk’s gesture is clear: colours and materials combine the industrial with the benign. Mike Nelson’s machines and equipment left over from industry — motionless residues and monuments to a bygone era — somehow come to mind, as seen at Tate Britain in London. However, the tragedy in Nelson’s work is somehow related to the redundancy and death of an entire industrial era. Shinuk’s sculptures are essentially about now and how we are blurring the boundaries of the digital and physical in service to unseen operating systems. Shinuk believes that we are somehow blindly unaware, alive in activities that simultaneously blinker us to the near and present danger of the power of cybernated system ubiquity. At this point, I am certain that Shinuk would remind you to “not forget to laugh”.

[1] Robert Zaretsky, “Why One of France’s ‘Most Subversive’ Philosophers Chose to Work in a Factory”, ZÓCALO PUBLIC SQUARE, June 29, 2018, https://www.zocalopublicsquare.org/2018/06/29/one-frances-subversive-philosophers-chose-work-factory/ideas/essay/

[2] Andre Breton, Le Manifeste du Surréalisme (Manifesto of Surrealism), 1924

[3] The Free Library. S.v. Industrial Psychology At Work..” Retrieved Feb 24, 2022, https://www.thefreelibrary.com/Industrial+Psychology+At+Work.-a074492880

얼터드 휴먼: 제작과 데이터 신체 사이의 숙명 Altered Human: The Fate Between Production and Data Bodies

추성아 Sungah Serena Choo

독립 큐레이터 Independent curator

비물질 데이터 시대는 인간과 기계가 보이지 않는 방식으로 밀접하게 맞물려 종속된 관계로 선행되어 왔고, 지금도 그러하다. 특히, 기업 알고리즘 분석은 인간의 생체 정보에 개입하면서 기술과 신체와 어떠한 불가분의 관계를 형성하기 시작했는데, 이는 곧 우리 몸의 연장이자 감각의 확장체가 되었다. 예컨대, 히가시노 게이고(ひがしのけいご)의 『플래티나 데이터(Platina Data, プラチナデータ)』(2010)가 첨단 과학 수사에 활용된 DNA의 고유한 시스템과 감정까지 데이터화 할 수 있는 국가 권력과 통제 아래 인간이 자유로울 수 없는 모순된 추적극이라면, 리처드 모건의 『얼터드 카본(Altered Carbon)』(2002)은 인간의 기억 즉, 의식을 디지털로 변환해 끝없이 새로운 육체로 갱신할 수 있는 사회 권력과 계급 구조를 다루면서 인간 존재에 철학적 질문을 한다. 이처럼, 포스트휴머니즘에서 트랜스휴머니즘으로 이동하는 미래를 상상하는 SF적 허구는 미래에 도래할 현실 같으나, 이미 우리 일상에서 많은 부분 유사하게 작동하고 있으며 근미래에 현실화될 숙명에 있다. 이러한 인간의 숙명이 스마트폰을 손에 쥐고 보안을 위해 생체 정보 인식과 정서, 대화 등 실시간으로 개인의 온갖 데이터를 분출하면서 신체의 동작, 의식, 그리고 태도가 데이터 분석의 대상으로 축적되는 것이 한 예일 것이다.

서신욱은 동시대 산업에서 여전히 작동하고 있는 전통적인 기계 시스템의 물리적인 구조를 사회 제도와 권력의 틀로 상정하여, 인간에게 비가시적으로 개입되는 힘의 작용과 그 후유증에 주목한다. 작가는 정보 수집과 효율성이 맞물린 고도화된 디바이스가 인간의 신체와 정서에 내밀하게 침투하면서 발생하는 비윤리성에 대해 자문한다. 우리가 서신욱의 작업에서 주목해야 할 두 가지 쟁점은, 비물질성이 부각된 오늘날의 기계적 관점을 로우테크의 “수작(手作)”의 방식으로 실천하는 태도이다. 두 번째는, 보안과 익명성이라는 미명하에 수집되는 데이터가 자본화된 신체로 전유되면서, 자율성을 상실하고 빅데이터라는 시스템에 철저히 의탁해 있는 해체된 인간상을 조각적인 방식과 납작한 만화적 표현에 주목하는 점이다. 신체가 촘촘히 해체되거나 단순하게 변형된 작업 전반은 인간을 하이브리드의 새로운 존재로 대상화 하는 것보다, 새로운 기술의 연장이 된 인간의 몸에 코드를 각인시키는 행위가 중요하게 작용한다. 이는 기계 구조에 의존하며 살아갈 수 밖에 없는 현실을 해학적으로 수용하는데 있다. 예컨대, 애플 워치의 등장으로 체화된 개인의 혈당 수치와 심장박동수, 지문, 안면 인식 등 생체 정보마저 자연스럽게 제공하는 구조와 온라인 서핑을 통해 누적되는 취향과 관심사 등 가장 사적이고 미시적인 정보들이 수집되면서, 역으로 맞춤형 컨텐츠를 제공받는 AI적 시스템을 생각해 볼 수 있다.

우리 모두 ‘사용자’가 되는 기능적 진화는 기술을 통한 인간 향상이다. 인간 진화에 기초한 트랜스휴머니즘의 실용주의적 태도는 지적, 신체적, 심리적 약점을 보완하고자 과학의 힘을 빌려 어떤 것을 초월하려는 의지를 동반한다. 이를 바탕으로 부득이하게 따라오는 신체 데이터가 하나의 매개체이자 도구의 역할로 동일시되어 작업에 포섭된다. 작가는 신체를 기계의 도구적 관점으로 바라보면서 자본주의 체제 안에 기계가 자연스레 영향을 주는 “기계적 예속(machinic enslavement)”의 상황을 각각의 분할된 장면으로 구현한다. 이는, 현대인들의 해체된 데이터가 표준화된 방식으로 모듈화(modulation)되는 초상과 풍경으로 구현되는데, 작업 전체를 잡아 주고 있는 기하학의 철재 구조가 각각의 뼈대로서 기계와 시스템을 상징하도록 한다. 작업에서 동일하게 구현되는 투박한 재료에 용접 방식의 로우테크는 분업화와 시스템에 종속된 과정에 편입된 신체 감각이 단순 반복에 의해 무뎌지는 무기력한 노동을 비판하는 이중의 맥락이 담겨있다. 또한, 로우테크가 갖고 있는 하드웨어적 제작 행위는 곧, 물질(matter)의 감각을 드러내면서 하이테크 영역의 비가시적인 성격과 상반되는 권력의 가시화를 뒷받침한다. 이로써, 공통적으로 로우테크의 성격을 극대화 하기 위한 수평, 수직적인 움직임의 키네틱적 요소는 투명한 실리콘의 단순화된 우스꽝스러운 인간 형상을 투박하고 느리게 건듦으로 오작동하는 신체 감각의 수동적인 초상(<Six Feet Under (Durability Test #5)>(2022))으로 귀결된다.

이렇듯, 서신욱은 두 가지 형식으로 변형 및 분해된 몸체를 제작하는데, 이는 납작한 실리콘의 소재와 3D 프린터로 출력한 덩어리다. 평면과 조각의 양극단에 놓인 인간상은 실재가 아닌, 만화적 기법에서 차용한 해학과 폭력성을 감지할 수 있는 이중적인 장면과 더불어, 그리스 신화에 등장하는 전통 인체 조각상의 오픈소스 파편들이다. 실제로, 인간과 가장 닮아 있는 욕망의 집합체를 프로타고니스트적으로 보여주는 신화 속 인물들은 허구에 기반한 인간상으로 오픈소스 데이터로 유통되고 있다. <The Fabulous Life>(2022)에서 데이터 코드가 표면을 관통하여 각인된 단서들은 두상의 앞면 혹은 신체의 부분이 온전한 껍데기로 출력되지 않고, 디바이스를 통해 지문과 얼굴을 인식하는 불완전한 암호를 이식한 군상 같다. 마치, ‘인간 존재’ 역시 복사할 수 있는 데이터에 불과하다는 숙명에 기대어 우리가 오픈소스 데이터의 일부가 될 수 있는 공포의 디스토피아적 미래를 내포하는 것처럼 말이다. 지형의 등고선 혹은 지문의 모습을 띠고 있는 3D 프린팅 조각 특유의 표면은 각각의 백색 신체, 즉, 대상을 구성하는 누적된 정보를 대변하여, 익명성과 함께 다량의 쇠구슬이 파인 곳을 침투하고 신체 가장자리로 이동하면서 끊임없이 변화하는 신체 풍경을 일군다.

일부 조각은 작가가 미세하게 중첩된 표면의 질감들을 사포로 문지르면서 매끈한 무결점의 표면을 직조한다. 그리하여 기계 출력의 흔적을 지워낸 해체된 조각에서 데이터 신체를 이음새 없이 매끄럽게 다듬는 손 감각이 유일하게 작용하는 것을 볼 수 있다. 작가의 물리적인 몸짓이 철저히 배제된 구조의 설계와 기계 출력 및 제작하는 과정에서 발생하는 노동 집약적인 손 끝의 행위는, 서신욱이 기계와 기술의 원리를 몸으로 체득함으로써 제작, 보강, 마감 등의 수행적인 실천과 맞닿아 있다. 결국, 작가는 손 끝에 닿는 기술의 질감을 익히면서 노동에서 자유로운 감각을 찾고자 하는 ‘호모 파베르’의 근원적인 태도를 완벽히 분리할 수 없는 결론에 이른다. 이와 같이, 작가가 수동과 능동 사이에서 제작자의 태도를 취하는 과정은 첨단화된 현실에서 예속될 수 밖에 없는 인간의 숙명을 풍자하면서도 해방된 신체의 역할 사이에서 갈등하고 있음을 감지할 수 있다. 작업에서 자연스레 따라오는 자유 오픈소스와 로우테크가 사실상 여러 수작 문화 안에 일부로써, 비물질과 물질의 경험을 숙련하는 과정을 상징적으로 의미하는 것이기도 하다. 이로써, 기계와 시스템을 상징하는 철재 구조와 아크릴 상자 안에서 움직이는 분산된 주체들은 서로 뒤섞이면서, 촉각적이고 즉각적인 기계와 신체의 연결성에 기댄 불가분의 관계에 가까워진다.

이와 같이, 서신욱은 노동과 기술의 메커니즘 사이에서 인간이 교묘하게 예속되는 물리적인 상태를 재해석하고 그 사슬을 의식적으로 끊어내려는 시도를 지속해왔다. 신체가 생체 기계의 일부로 편입되는 새로운 휴먼의 신체 조건은 작업 전반에서 유머러스함과 동시에 설명할 수 없는 묘한 공포감과 잔인함의 감각으로 묘사된다. 그리하여 작가가 탐구하는 복합적인 감각은 미래 인간상에 관한 대안이 무엇일지 상상하도록 한다. 그가 표현하는 인간상은 구조에 매달린 왜곡된 신체의 투명한 실루엣과 분절되고 표준화된 데이터 덩어리들로 실재하는 몸의 감각을 철저히 숨긴다. 그가 피부로 느낄 수 있는 감각을 제작 방식의 일부를 제외하고 차단함으로써, 휘발된 익명을 풍자하는 것을 방점에 두고 있다. 즉, 보안 장치가 촘촘해 질수록 비가시적인 권력에 통제되는 현대인의 초상은 양극의 힘겨루기를 하는 것과 같다. 이같은 긴장감은 기기에 접속하고 기억을 데이터화 하는 무형의 영역에 동기화 되는 분산된 존재를 생각해 보게 한다. 그리하여 동시대 존재에 대한 고찰이 작가의 제작 행위에 투영된 만들기의 감각과 데이터 신체 사이의 관계를 통해 인간이 기기를 통과하는 것인지, 기기가 인간을 통과하는 것인지의 감각 사이에서 유영한다.

The age of immaterial data has been present and continues to be present through the close interlocking of humans and machines in invisible ways. In particular, corporate algorithmic analysis began forming a certain inseparable relationship with technology and the human body by intervening in biometric information. This soon became an extension of our body and senses. For example, Keigo Higashino’s novel Platina Data (2010) presents an ironic fugitive narrative where humans can never be free under the authority and control of the state capable of turning authentic DNA systems and emotions into a database for advanced forensic investigations. Meanwhile, Richard Morgan’s Altered Carbon (2002) deals the social power and class structures where people can transform their memories or consciousness into digital data to endlessly update themselves with new bodies, raising philosophical questions on human existence. The sci-fi invention of a future transitioning from post-humanism to trans-humanism seems to become a reality in the future. However, it is destined to become a reality in the near future in a way that it is already realized in many areas of our everyday life. One example of such a human fate could be a person holding a smartphone in his hand, providing his biometric information for the sake of security and spurting out all kinds of personal data such as his emotional status and personal conversations in real time, making his bodily movements, consciousness, and attitudes be accumulated as objects of data analysis.

Shinuk Suh assumes the physical structure of traditional mechanical systems that are still in operation in contemporary industries as the framework of social institutions and power. As such, he pays attention to the effect of invisible interventions of power onto humans and their aftermath. The artist asks questions to himself about the unethicality that arises as sophisticated devices combining information collection and efficiency intimately penetrate the human body and emotions. There are two points of discussion in Shinuk Suh’s work. Firstly, the artist exercises the mechanical perspective of today with an emphasis on immateriality through the attitude of low-tech “handcraft.” Secondly, he employs sculptural presentation and cartoonish expression to express deconstructed human figures deprived of autonomy and thoroughly dependent on the system of big data, which appear as data is collected for the sake of security and anonymity while capitalizing the body. In general, the body is minutely dismantled or overly simplified in Shin’s work. However, what is more important is not about objectifying humans as new hybrid figures but imprinting certain codes on the human body that has become an extension of new technology. This comes from the artist’s witty acceptance of the reality of living in dependence on mechanical structures. Apple Watch has created a structure where is natural to provide biometric information such as blood sugar level, heart rate, fingerprint, facial recognition data. An AI system that offers customized content could be realized in return since the most intimate and minute information is collected while people surf the internet.

The functional evolution where we all become ‘users’ means that humans are to be enhanced through technology. The pragmatic attitude of trans-humanism, which is based on the idea of human evolution, accompanies a will toward transcendence to overcome intellectual, physical, and psychological weaknesses with a help of technology. Suh incorporates the bodily data, which is an inevitable result of such effort, as a medium and a tool into his work. Approaching the human body from the instrumental perspective of the machine, Suh materializes the concept of “machinic enslavement” where the machine naturally affects the capitalist system, which is present in individually divided scenes in his work. Such scenes are materialized in forms of portraits and landscapes in which deconstructed data of contemporaries are modulated in a standardized manner. The geometrical steel structure that holds the entire work symbolizes the machine and the system while serving as their framework. The low-tech welding on crude materials, which is consistently implemented in different works, contains a dual context of criticizing the helpless labor where the bodily senses incorporated in the process of labor division and the system are dulled by simple repetitions. In addition, the act of low-tech hardware production reveals a sense of matter, supporting the visualization of power that stands on the opposite of the invisible high-tech domain. In the end, the kinetic elements with horizontal and vertical movement maximizing the characteristics of low-tech result in a passive portrait of malfunctioning bodily sensations, Six Feet Under (Durability Test #5) (2022), or the simplified and ridiculous human figures made of transparent silicon crudely and slowly being touched.

As such, Suh employs two formats to produce deformed and disassembled bodies: flat silicon figures and 3D-printed masses. The human figures at the extremes of two-dimensional plane and sculpture are open-sourced fragments of traditional body sculptures of Greek mythology, along with dualistic scenes with a sense of humor and violence taken not from reality but from cartoonish techniques. Indeed, the Greek mythological figures show the assemblage of human desires, circulated as fictionalized human ideals in the form of open-source data.

In The Fabulous Life (2022), there are certain clues with data codes penetrating the surface. They do not present the front of the head or parts of the body in the intact shape. Rather, they look like a sculptural group engraved with insufficient biometric passwords to recognize fingerprints and faces through devices. It is as if they are implying a dystopian future where we might become part of open-source data since ‘human existence’ is also destined to be duplicable data. The peculiar surface of 3D-printed sculptures that resembles contour lines or fingerprints represents each of the white bodies, that is, the accumulated information that constructs objects. A large number of anonymous iron marbles infiltrates the hollows and moves to the vicinity of the body, generating an ever-changing bodily landscape.

In some of Suh’s sculptural works, he elaborates a smooth and flawless surface by sanding the subtly overlapped textures of surfaces. As a result, in the deconstructed sculpture where the traces of mechanical 3D printing are erased, we witness hands operate as a singular sense that seamlessly polishes the data body. The design of the structure thoroughly excludes the artist’s physical gestures, yet there are labor-intensive actions occurring at the fingertips of the artist in the process of mechanical printing and production. They are linked to the performative practices of production, reinforcement, and finishing, as the artist masters the principles of machines and technology. In the end, he arrives at the conclusion that it is impossible to sunder the fundamental attitude of living a life of “homo faber” to learn the grain of technology at the tip of his fingers and find the sense of liberation from labor. Reverberating between passivity and activity, the artist establishes an attitude of a maker, which implies that he is satirizing the human fate of enslavement in the high-tech reality while being indecisive of embodying the role of the emancipated body. It also symbolically signifies a process of mastering immaterial and material experiences through free open source and low technology that are naturally accompanied in his work, which is part of the culture of handcraft. In such a way, the metal structure signifying the machine and system and the dispersed subjects moving in the acrylic box are blended, coming close to an inseparable relationship that relies on the tactile and immediate connection between the machine and the body.

So far, Shinuk Suh has been attempting to reinterpret the physical state where humans are deceptively enslaved in between the mechanisms of labor and technology, and he consciously tries to break that association. The corporeal condition of the new human in which the body is incorporates as a part the biological machine is depicted throughout the artist’s work with a sense of humor that comes with a strange unexplainable sense of fear and cruelty. Thus, the complex senses that the artist explores invite us to imagine what alternatives there are to the ideals of future humans. The images of humans he expresses thoroughly conceal the actual bodily senses by employing the transparent silhouettes of distorted bodies hanging from structures and fragmented and standardized masses of data. By excluding and blocking the senses he can feel with his skin in the production process, he emphasizes the efforts to satirize anonymity that has been invalidated. In other words, it seems that the portraits of contemporaries that are controlled by invisible power are put under two extremes as security devices become more elaborate. This sense of tension leads us to contemplate a distributed existence that is synchronized with the intangible realm that accesses devices and turns memories into data. On that account, we come to wander between different senses, wondering if the artist’s reflection on contemporary existence through the relationship between the sense of making and data bodies, all of which are reflected in his creative process, presents humans penetrate mechanical devices or vice versa.