Cell Struggles
파운드리 서울은 2025년 4월 12일부터 5월 31일까지 아나스타샤 코마(Anastasia Komar), 에피 완이 리(Effie Wanyi Li), 페르난다 갈바오(Fernanda Galvão), 도현희(Hyunhee Doh), 오묘초(Omyo Cho)의 그룹전 《Cell Struggles》를 개최한다. 이번 전시는 파운드리 서울이 개최하는 첫 그룹전으로, 인간과 자연, 기술과 감정, 과학적 발견과 신화적 상상력의 교차점에서 인간 존재의 복잡성과 지속성에 대한 질문을 던지는 다섯 명의 젊은 여성 작가들을 조명한다. 생명 활동의 최소 단위인 세포는 끊임없이 변화하고 적응하며 생존을 위한 투쟁을 이어가는 유기적 존재로, 이는 이번 전시에서 인간 존재와 사회의 역동성을 반영하는 메타포로 작용한다. 현대 사회에서 인간이 경험하는 내면적 갈등, 개인과 집단 혹은 인간과 자연 간의 대립, 그리고 다양한 형태의 긴장과 투쟁은 세포가 주변 환경과 상호작용하며 끊임없이 분열, 변형, 성장, 소멸하는 과정과 유사한 방식으로 전개된다. 이번 전시는 다섯 작가가 제시하는 서사를 통해 이러한 상호작용을 다각도로 탐구하며, 인간 존재와 생명의 현재와 미래를 다층적으로 해석할 수 있는 가능성을 모색한다.
아나스타샤 코마 (b. 1986)
뉴욕을 기반으로 활동하는 아나스타샤 코마(b. 1986)는 예술과 현대 생명공학의 경계에서 현대 사회의 복잡한 현실과 인간의 다층적인 경험을 탐구하는 작품을 선보인다. 특히 과학적 발견과 신화적 상징을 교차시켜 새로운 내러티브를 구성하는 작가는 다양한 맥락에서 등장하는 생명체의 재생 능력과 회복력에 관심을 가진다. 코마의 작업은 짧고 생동감 있는 붓질로 구현된 아크릴 회화와 난초나 뱀처럼 뻗어나가는 형상을 한 정교하게 가공된 폴리머 조각을 결합하여, 생물학적, 과학적, 기술적 연구와 신화적, 역사적 참조를 융합한다. 작업의 몸을 이루는 주요 형식인 아크릴 회화는 자연 세계의 보이지 않는 구조와 유기적 흐름을 시각화한다. 이를 감싸는 단단한 폴리머 조각은 시선을 방해하는 듯하지만, 회화 표면과 공생적이거나 기생적인 관계를 형성한다. 이러한 상호작용은 긴장감을 불러일으키며, 감각적 층위와 물리적 층위가 질서 속에서 맞물려 지속적으로 연결되는 우리 세계의 본질과 맞닿아 있다. 인간과 자연, 과학적 진보 사이의 경계를 탐구하는 코마의 작업은 단순한 예술적 표현을 넘어, 현대 기술 발전이 불러일으킨 인간의 복잡한 경험과 감정을 조명하며 생명 윤리와 존엄성에 관한 깊이 있는 성찰을 제공한다.
아나스타샤 코마는1986년 구소련 칼리닌그라드 출생으로 현재 뉴욕을 기반으로 활동하고 있다. 모스크바 건축대학교(Moscow Institute of Architecture)에서 건축 및 환경 디자인 석사 학위를 취득하였다. 주요 개인전으로는 뉴욕 매니지먼트(Management)의 ≪Hosts≫, 상하이 뱅크의 ≪ex-vivo≫, 로스앤젤레스 나자리안/쿠르시오 (Nazarian/Curcio)의 ≪von Neumann’s Dream≫등이 있다. 주요 그룹전으로는 홍콩 포디움(Podium)의 ≪Weirding Worlds≫, 뉴욕 스위블 갤러리(Swivel Gallery)에서 열린 ≪Fever Dream≫, 뉴욕 크리스틴 로렐로 & 반 도렌 왁스터(Kristen Lorello & Van Doren Waxter)의 ≪Holding≫, 이스트 햄프턴 하퍼스(Harper’s)의 ≪Poetics of Falsification≫, 뉴욕 둔쿤스트할레(Dunkunsthalle)의 ≪America Runs≫, 뉴욕 SVA(School of Visual Arts) 갤러리에서 열린 ≪Contemporary Practices≫, 그리고 한국 CICA 미술관에서 열린 ≪Over the Structures≫ 등이 있다. 뉴욕과 캘리포니아를 중심으로 다수의 장소에서 활발하게 프로젝트를 진행 중이다.
에피 완이 리 (b. 1995)
런던을 기반으로 활동하는 에피 완이 리(b. 1995)는 신체와 정신, 감각과 감정 사이의 역동적인 관계를 탐구한다. 작가에게 신체는 단순한 물리적 존재가 아니라, 끊임없이 변화하는 감각의 장(場)이며, 감정과 사고가 상호작용하면서 새로운 인식을 형성하는 공간이다. 작가는 회화를 통해 이러한 미묘한 움직임과 내면적 감각을 시각화하고, 형태, 색, 그리고 리듬이 서로 얽히는 과정을 통해 자신과의 대화를 지속한다. 불안의 근원에 대한 의문을 시작으로 인간 신체의 내부 매커니즘을 탐구해왔으며, 신체와 마음 사이의 동기화된 대화를 형성하며 인간 존재의 섬세한 작동 원리를 이해하고자 한다. 최근 작업에서 작가는 ‘트리거 포인트(trigger points)’ 개념에 주목한다. 이는 화면 구성의 출발점이자, 동시에 균형을 무너뜨리는 교란 요소로 작용한다. 특정 트리거 포인트가 활성화되면 화면 전반에 긴장이 파동처럼 확산되며, 균열과 변화를 초래한다. 그러나 이러한 반응은 개인의 트라우마가 각기 다르게 작용하는 것과 마찬가지로 일정한 흐름을 따르지 않으며, 복잡하고 비선형적인 방식으로 전개된다. 이러한 접근 방식은 전통적인 중국 침술의 원리와도 연결된다. 침술이 신체의 특정 지점을 자극해 에너지 순환을 촉진하고 흐름을 정상화하며 자율신경계를 조절해 신체와 정신의 균형을 이루는 것처럼, 작가의 회화 또한 감각과 감정이 만나는 접점을 탐구한다. 이를 통해 보이지 않는 지각을 형상화하고, 감정적 혼란을 표면화함으로써 해소의 가능성을 모색한다. 연약함과 강인함이 공존하는 작가의 캔버스를 통해 관람객은 내면의 세계로 접근하게 되며, 자기 인식이 단순한 성장 과정이 아니라 끊임없는 재탄생이자 인간 정신의 회복력을 증명하는 과정임을 깨닫게 된다.
에피 완이 리는 1995년 중국 하이난 출생으로, 현재 런던을 기반으로 활동하고 있다. 2019년 영국 센트럴 세인트 마틴(Central Saint Martins)에서 순수미술 학사를, 2023년 영국 왕립예술대학(Royal College of Art)에서 회화 석사를 취득했다. 에피 완이 리의 작품은 국제적으로 다양한 미술 기관에서 소개되었으며, 최근에는 2024년 로마 T293 갤러리에서 열린 개인전 ≪Yet Always Blooming≫을 통해 회화의 확장된 표현 가능성을 탐구했다. 또한, 2025년 상하이 페로탕 갤러리의 ≪The Cloud Catcher≫, 2024년 런던 Thaddaeus Ropac에서 열린 ≪Embodied Form: Painting Now≫ 등 주요 전시에 참여하며 동시대 시각 예술의 흐름 속에서 독창적인 위치를 구축하고 있다.
페르난다 갈바오 (b. 1994)
상파울루와 파리를 기반으로 활동하는 페르난다 갈바오(b. 1994)는 면밀한 관찰과 공상 과학적 상상력을 결합하여 미래 식물 생태계를 구현한다. 작가는 색채와 형태를 통해 생물학을 은유로 삼아 엔트로피와 재생, 즉 혼돈과 회복, 해체와 재탄생의 서사를 암시하는 장면을 제시한다. 최근 갈바오의 작업은 식물이 기억 저장소가 될 수 있다는 개념에서 출발하며, 특히 맹그로브 해안선을 상상 속 재탄생의 공간으로 묘사하는 작업들이 이를 반영한다. 작품 제목은 페미니스트 소설가 어슐러 K. 르 귄(Ursula K. Le Guin)의 ‘어스시(Earthsea)’ 세계관에서 영감을 받아 만들어진다. ‘어스시’는 수많은 섬으로 이루어진 바다 중심의 세계로, 다양한 문화와 인종이 공존하며 마법이 중요한 역할을 한다. 그러나 그곳은 단순한 판타지 세계가 아니라, 마법을 통해 인간과 자연의 관계, 그리고 조화의 철학을 탐구하는 공간이다. 갈바오는 주로 오일 스틱, 목탄, 파스텔을 사용해 깊은 코발트 블루와 흙빛 브라운, 핑크 톤이 나타나는 식물의 형태를 세밀하게 묘사하며 특히, 식물의 물결치는 곡선과 유기적이고 역동적인 구조를 과장함으로써 식물과 인간 신체 간의 연결과 유사성을 암시한다. 갈바오의 회화는 태양광이나 지평선이 없는 상황에서 전개된다. 이로 인해 캔버스 속 식물들은 마치 공상 과학 소설 속의 이세계(異世界)적 환경에서 기원한 듯 호기심을 자아내며, 동시에 작가 고유의 신화적 내면 풍경을 드러내 보이는 듯 하다.
페르난다 갈바오는 1994년 브라질 상파울루 출생으로, 파리와 상파울루를 기반으로 활발히 활동하고 있다. 브라질에서 최초로 예술학부 과정을 시작한 곳으로 알려진 아르만도 알바레스 펜치아두 대학(Fundação Armando Alvares Penteado, FAAP)에서 시각예술을 전공했다. 페르난다 갈바오는 브라질에서 매년 열리는 유서깊은 예술 살롱인 히베이랑프레투 국립 현대 예술 살롱(Salão de Arte de Ribeirão Preto Nacional Contemporâneo)에서 입상하며 히베이랑프레투 미술관(Museu de Arte de Ribeirão Preto)에서 개인전을 열었다. 이후, 브라질 쿠리티바 시의 오스카르 니에메예르 미술관(Museu Oscar Niemeyer) 등지에서 활발히 소개되었으며, 상파울루의 까사 트리앙글루(Casa Triângulo), 런던의 치브리코쉐이크 갤러리(Tsivrikos Shake Gallery), 뉴욕의 라일즈 앤 킹(Lyles & King) 등의 주목을 받으며 국제적인 무대에서 떠오르는 신진 작가로 각광받고 있다.
도현희 (b. 1996)
서울과 런던을 기반으로 활동하는 도현희(b. 1996)는 시간의 흐름 속에서 감각과 기억이 축적되고 해체되는 과정을 한지를 통해 시각화 한다. 한지가 물을 머금고 주름지며 흔적을 남기는 과정은 세포의 성장과 소멸처럼 끊임없이 변화하는 생명 역학과 닮아있다. 반복되는 행위를 통해 생성된 흔적들은 일시적이지만, 일부는 축적되어 새로운 형태를 만들어낸다. 한지 위에 남겨진 주름과 흔적은 감각적 변화, 더 나아가 정체(正體, identity)적 변화를 물질 속에 담아내려는 시도이며, 도현희의 작업은 이를 통해 시간과 존재의 문제를 탐구한다. 작가는 시간이라는 추상적 개념을 자아 탐구의 방식으로 활용하는데, 한지에 분채와 아교로 색을 입히고 씻어내는 반복적 행위를 통해 감각적 경험이 변화하는 과정을 시각적으로 드러낸다. 이 과정에서 한지는 물을 머금고 주름지며, 흔적이 쌓이고 지워지기를 반복한다. 지난 10년간 동양과 서양, 그리고 디지털 세계를 오가며 체득한 감각은 기존의 시간성과는 다른 양상을 띤다. 한지 위에서 색을 입히고 씻어내는 행위는 마치 세포가 환경에 반응하며 적응하고 변화하는 과정과 닮았으며, 이렇게 남겨진 흔적들은 감각과 기억의 축적물이자 변화하는 정체성의 단면이 된다.
도현희는 1996년 한국 부산 출생으로, 서울과 런던을 기반으로 활동하고 있다. 미국 시카고 예술대학(SAIC)에서 순수미술 학사를, 2023년 영국 왕립예술대학(Royal College of Art)에서 회화 석사를 취득했다. 주요 개인전으로는 2023년 인천 공간 운솔에서 열린 ≪Home_Body________≫, 2021년 시카뮤지엄에서 열린 ≪Exploding Solitary≫, 서진아트스페이스에서 열린 ≪순간의 대화: 불완전한 시간의 기록≫ 등이 있다. 또한, 서울 서리풀청년아트갤러리의 ≪하늘의 그물 땅의 그물≫, 런던 Playground 72의 ≪Nausea≫, Maverick Projects의 ≪The Road of Excess≫, Silian Gallery의 ≪Whispered Canvases≫, Gallery 46의 ≪When Walls Are Bare≫ 등 다수의 그룹전에 참여하며 작품 세계를 확장해 나가고 있다. 그 외에도 시카고 한인문화예술회관의 ≪Foundation≫, Dacia Gallery의 ≪Women Artists Exhibition≫, 뉴욕 Barrett Art Center의 ≪Luscious. Tasty. Delicious≫, Viridian Artists의 ≪30 Under 30≫, 오하이오 Manifest Gallery의 ≪Rites of Passage≫ 등 다양한 전시에 참여하며 독창적인 시각 언어를 구축해 나가고 있다.
오묘초 (b. 1984)
서울을 기반으로 활동하는 오묘초(b. 1984)는 생물학과 과학에 대한 관심을 바탕으로 문학적 상상력을 결합해 SF적 서사를 구축하고, 이를 조각과 설치 작업으로 시각화한다. 글을 통해 가상의 세계를 창조하고, 그 속에서 작동하는 존재들을 물질화된 형상으로 구현함으로써 가상의 비전을 보다 구체화한다. 2021년 뇌과학자와의 협업을 계기로 기억의 전이 및 대리 감각 현상에 대한 깊은 관심을 갖게 되었으며, 이후 SF 소설 <누디 할루시네이션>(2025)을 집필하며 비물질적인 기억을 물질적인 조각으로 번안하는 시도를 지속해왔다. 특히 ‘바다달팽이의 기억 전이 실험’에서 영감을 받아, 기억과 감정이 데이터화되어 유통되고 타인의 기억을 편집하여 자신의 정체성을 구성하는 미래 사회를 제시한다. 기후 위기로 인해 지상이 오염되어 심해로 이주한 새로운 지성체들이 살아가는 세계에서, 기억은 사회적·경제적 자원이자 신체를 구성하는 물질로 재정의된다. 이러한 상상은 글쓰기에서 조각과 설치로 확장되며, 유리와 금속 같은 물질을 통해 기억과 신체, 시간의 흐름이 서로 얽히고 변화하는 과정을 시각적으로 드러낸다. 문학 평론가 프레드릭 제임슨(Fredric Jameson)은 SF 소설을 “미래의 고고학”이라 묘사하며, 상상된 미래를 발굴해 현재의 복잡성을 드러낸다고 말했다. 오묘초의 작업 역시 인류의 흔적을 넘어서는 상상을 통해 삶의 연약함과 지속성에 대해 숙고하고, 존재와 환경의 경계에 대한 성찰을 이어가며, 변화하는 환경 속에서 오늘날 인간은 어떻게 살아가야 하는지를 질문한다.
오묘초는 1984년 한국 서울 출생으로, 2016년 영국 런던의 골드스미스 대학교(Goldsmiths, University of London)에서 순수미술 학사 학위를 취득했다. 오묘초의 작품은 국내외 주요 미술 기관에서 소개되며 주목받아 왔으며, 최근에는 2024년 울산시립미술관에서 열린 ≪예술과 인공지능≫ 전시에 참여했다. 또한, 2023년 수림큐브에서 열린 개인전 ≪변형 액체≫를 통해 독창적인 미적 탐구를 선보였다. 오묘초는 국립현대미술관 고양레지던시(2022), 서울문화재단 금천예술공장(2023) 등 다양한 플랫폼에서 활동하며, 2020년 수림미술상 수상을 통해 그 가능성을 인정받았으며 <Nudi Hallucination> 작품이 2024 발루아즈 예술상(Baloise Art Prize)에 노미네이트 되며 아트바젤(Art Basel)의 스테이트먼트 섹터(Statements sector)에서 전시되는 영예를 안았다. 오묘초는 계속해서 예술과 기술, 시간과 공간의 경계를 넘나드는 창조적 시도를 지속하며, 동시대 시각 예술에 신선한 자극을 불어넣고 있다.
FOUNDRY SEOUL is pleased to present Cell Struggles, a group exhibition featuring Anastasia Komar, Effie Wanyi Li, Fernanda Galvão, Hyunhee Doh, and Omyo Cho, on view from April 12 to May 31, 2025. As FOUNDRY SEOUL’s first group exhibition, Cell Struggles highlights five emerging female artists whose works explore the complexities and resilience of human existence at the intersection of nature and humanity, technology and emotion, and scientific discovery and mythical imagination. The cell, as the fundamental unit of life, is a dynamic entity that continuously changes, adapts, and engages in a constant struggle for survival. In this exhibition, the cell serves as a metaphor for the fluidity and resilience of human existence and the dynamism of society. The internal conflicts individuals experience, the tensions between the individual and the collective, and the broader struggles between humanity and nature unfold in ways that parallel the cell’s perpetual interaction with its environment—dividing, mutating, growing, and perishing in an ongoing cycle. Through the narratives presented by the five artists, this exhibition examines these interactions from multiple perspectives, opening up new possibilities for a layered and multifaceted interpretation of human existence and the future of life.
Anastasia Komar (b. 1986)
New York-based artist Anastasia Komar (b. 1986) explores the complexities of contemporary society and the multilayered nature of human experience at the intersection of art and contemporary bioengineering. By intertwining scientific discoveries with mythological symbols, Komar constructs new narratives that examine the regenerative capacity and resilience of living organisms across various contexts. Her work combines acrylic paintings—characterized by short, dynamic brushstrokes—with highly refined polymer sculptures that extend like orchids or serpents. This fusion integrates biological, scientific, and technological research with mythological and historical references. The acrylic paintings, which form the main body of the work, visualize the invisible structures and organic flows of the natural world. Encasing these paintings, the rigid polymer sculptures appear to obstruct the viewer’s gaze yet simultaneously establish a symbiotic or parasitic relationship with the painted surfaces. This interplay generates a sense of tension, reflecting the interconnected and continuously evolving nature of our world, where sensory and physical layers interlock in structured harmony. By probing the boundaries between humanity and nature, as well as between scientific progress and artistic expression, Komar’s work extends beyond mere aesthetic representation. It critically engages with the profound ethical and existential questions arising from contemporary technological advancements, offering a thoughtful meditation on bioethics, human dignity, and the intricate emotional dimensions of contemporary life.
Anastasia Komar was born in 1986 in Kaliningrad, USSR, and is currently based in New York. She earned a Master’s degree in Architecture and Environmental Design from the Moscow Architectural Institute. Her major solo exhibitions include Hosts at Management in New York, ex vivo at BANK in Shanghai, and von Neumann’s Dream at Nazarian/Curcio in Los Angeles. Selected group exhibitions include Weirding Worlds at Podium Gallery in Hong Kong, Fever Dream at Swivel Gallery in New York, Holding at Kristen Lorello & Van Doren Waxter in New York, Poetics of Falsification at Harper’s in East Hampton, America Runs at Dunkunsthalle in New York, Contemporary Practices at the School of Visual Arts Gallery in New York, and Over the Structures at CICA Museum in Korea. In addition to her exhibitions, Komar is actively engaged in various projects at multiple locations, primarily in New York and California.
Effie Wanyi Li (b. 1995)
London-based artist Effie Wanyi Li (b. 1995) explores the dynamic relationships between body and mind, sensation and emotion. For Li, the body is not merely a physical entity but a constantly shifting field of perception—a space where emotions and thoughts interact to generate new forms of awareness. Through painting, she visualizes these subtle movements and inner sensations, engaging in an ongoing dialogue with herself through the interplay of form, color, and rhythm. Her practice originates from an inquiry into the sources of anxiety, leading her to investigate the internal mechanisms of the human body. By establishing a synchronized dialogue between body and mind, she seeks to understand the delicate operational principles of human existence. In her recent work, Li focuses on the concept of trigger points—both as points of departure for compositional structure and as disruptive elements that destabilize equilibrium. Once activated, these trigger points generate tension that ripples across the canvas, creating fractures and transformations. However, much like the way trauma manifests uniquely in individuals, these responses do not follow a predetermined pattern; rather, they unfold in a complex, nonlinear manner. This approach resonates with the principles of traditional Chinese acupuncture. Just as acupuncture stimulates specific points in the body to promote energy circulation, restore flow, and regulate the autonomic nervous system, Li’s paintings explore the intersections of sensation and emotion. By giving form to the invisible realm of perception and bringing emotional turbulence to the surface, her work suggests the potential for resolution and healing. Through the artist’s canvas, where fragility and resilience coexist, viewers are drawn into the inner world and come to realize that self-awareness is not merely a process of growth, but a continuous rebirth and a testament to the resilience of the human spirit.
Effie Wanyi Li, was born in 1995 in Hainan, China, is currently based in London. She completed a BA in Fine Art from Central Saint Martins in 2019 and an MA in Painting from the Royal College of Art in 2023. As an emerging artist with an international presence, Li recently explored the expanded possibilities of painting through her solo exhibition Yet Always Blooming at T293 Gallery in Rome in 2024. She has also participated in major exhibitions, including The Cloud Catcher at Perrotin Gallery in Shanghai in 2025 and Embodied Form: Painting Now at Thaddaeus Ropac London in 2024.
Fernanda Galvão (b. 1994)
Based in São Paulo and Paris, Fernanda Galvão (b. 1994) constructs speculative future ecosystems by merging meticulous observation with science-fictional imagination. Through the interplay of color and form, she employs biology as a metaphor to suggest narratives of entropy and regeneration—chaos and recovery, dissolution and rebirth. Galvão’s recent works stem from the idea that plants can serve as repositories of memory, a concept reflected in her depictions of mangrove coastlines as imagined spaces of renewal. Her work titles draw inspiration from the world of “Earthsea”, the literary universe created by feminist novelist Ursula K. Le Guin. “Earthsea” is an oceanic realm of scattered islands, where diverse cultures and races coexist and magic plays an integral role. However, beyond its fantasy setting, it serves as a philosophical space for exploring the relationship between humanity and nature, as well as the principles of balance and harmony. Working primarily with oil sticks, charcoal, and pastels, Galvão intricately renders plant forms in deep cobalt blues, earthy browns, and pink tones. By exaggerating the undulating curves and dynamic organic structures of flora, she subtly suggests connections between plant life and the human body. Her paintings unfold in environments devoid of sunlight or a discernible horizon, heightening the sense that these plants originate from an otherworldly, science-fictional landscape. At the same time, they reveal an intimate, mythological inner world unique to the artist’s vision.
Fernanda Galvão was born in 1994 in São Paulo, Brazil, and is actively working between Paris and São Paulo. She studied Visual Arts at Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP), an institution recognized as the first to establish an art faculty in Brazil. Galvão gained early recognition in Brazil by winning an award at the prestigious Salão de Arte de Ribeirão Preto Nacional Contemporâneo, an annual national contemporary art salon, which led to a solo exhibition at the Museu de Arte de Ribeirão Preto. Her work has since been featured in major institutions, including the Museu Oscar Niemeyer in Curitiba, Brazil. She has also garnered international attention, exhibiting at renowned galleries such as Casa Triângulo in São Paulo, Tsivrikos Shake Gallery in London, and Lyles & King in New York.
Hyunhee Doh (b. 1996)
Based in Seoul and London, Hyunhee Doh (b. 1996) visualizes the accumulation and dissolution of sensation and memory over time through the medium of hanji (Korean mulberry paper). The way hanji absorbs water, wrinkles, and retains traces mirrors the dynamic life cycle of cellular growth and decay—an ever-evolving process of transformation. Through repetitive actions, ephemeral traces emerge; some fade, while others accumulate to form new structures. The creases and imprints left on hanji encapsulate shifts in perception and, more profoundly, changes in identity, positioning Doh’s practice as an exploration of time and existence. Doh employs the abstract concept of time as a method of self-inquiry, engaging in a process of layering and washing away pigments mixed with glue on hanji. This repetitive act makes visible the transformation of sensory experience. As hanji absorbs water, wrinkles form, and marks appear and disappear in an ongoing cycle. Over the past decade, Doh has navigated between Eastern and Western cultures as well as digital environments, developing a sense of temporality distinct from conventional notions of time. The act of layering and erasing pigment on hanji echoes the way cells respond, adapt, and evolve in reaction to their surroundings. The resulting traces serve as imprints of sensation and memory—fragments of an identity in flux.
Hyunhee Doh, was born in 1996 in Busan, South Korea, is currently based in Seoul and London. She earned a Bachelor of Fine Arts from the School of the Art Institute of Chicago (SAIC) and a Master of Fine Arts in Painting from the Royal College of Art, London, in 2023. Her major solo exhibitions include Home_Body________ at Space Woon Sol in Incheon (2023), Exploding Solitary at the CICA Museum (2021), and Conversation with Present Moment: from an often uncertainty at SeoJin Art Space. She has also expanded her artistic practice by participating in numerous group exhibitions, including Over’s Net, Bottom’s Net at the Seoripul Youth Art Gallery in Seoul, Nausea at Playground 72 in London, The Road of Excess at Maverick Projects, Whispered Canvases at Silian Gallery, and When Walls Are Bare at Gallery 46. Additionally, she has taken part in various exhibitions such as Foundation at Korean Cultural Center of Chicago, Women Artists Exhibition at Dacia Gallery, Luscious. Tasty. Delicious at the Barrett Art Center in New York, 30 Under 30 at Viridian Artists, and Rites of Passage at Manifest Gallery in Ohio, where she continues to build her unique visual language.
Omyo Cho (b. 1984)
Seoul-based artist Omyo Cho (b. 1984) merges a deep interest in biology and science with literary imagination to construct speculative sci-fi narratives, translating them into sculptural and installation works. Through writing, Cho creates fictional worlds and materializes the beings that inhabit them, giving tangible form to imagined visions. A pivotal moment in Cho’s practice came in 2021 through a collaboration with a neuroscientist, sparking a lasting fascination with memory transfer and surrogate sensory phenomena. Since then, Cho has been writing the sci-fi novel Nudi Hallucination (2025) while simultaneously exploring the translation of immaterial memory into tangible sculptures. Inspired by memory transfer experiments in sea slugs, Cho envisions a future society in which memories and emotions are digitized, circulated as commodities, and edited to construct individual identity. In this imagined world, where new intelligent lifeforms have migrated to the deep sea after the Earth’s surface became uninhabitable due to climate crisis, memory is redefined as both a socio-economic resource and a material component of the body. This speculative vision extends beyond writing into sculptural and installation works, where materials such as glass and metal visually articulate the entanglement of memory, the body, and the passage of time. Literary critic Fredric Jameson has described science fiction as an “archaeology of the future,” revealing the complexities of the present by excavating imagined tomorrows. Similarly, Cho’s work moves beyond the traces of humanity to contemplate the fragility and persistence of life, reflecting on the boundaries between existence and environment. Ultimately, Cho questions how humans should navigate life in an ever-changing environment.
Omyo Cho was born in 1984 in Seoul, South Korea, and earned a BA in Fine Art from Goldsmiths, University of London, in 2016. Cho’s work has been showcased at major art institutions both in Korea and internationally, gaining critical recognition. Most recently, Cho participated in Art and Artificial Intelligence at the Ulsan Art Museum (2024) and presented the solo exhibition Altered Fluid: of sooner at Soorim Cube (2023). Cho has also been actively engaged in various artistic platforms, including residencies at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) Residency in Goyang (2022) and the Seoul Art Space Geumcheon (2023). In 2020, Cho gained recognition by winning the Soorim Art Award, and Cho’s work Nudi Hallucination was nominated for the 2024 Baloise Art Prize, earning the honor of being exhibited in the Statements sector at Art Basel. Cho continues to push creative boundaries across the intersections of art and technology, time and space, offering fresh perspectives to contemporary discussions and research on life.
